EL CUARTO DE CAR LOST

MAS FESTIVALES.

2010-02-12T16:28:00.004-03:00

"Elio" volvió al ruedo. En esta ocasión se trata de un certamen de cortometrajes celebrado en Chile. El segundo Festival Internacional de Cine Independiente de Iquique se llevó a cabo del 8 al 12 de febrero de 2010. El filme de Bacalao Films compitió en la categoría de ficción junto a trabajos provinientes de América Latina y Europa.

"ELIO" Y "DIONISIO" SELECCIONADOS EN EL IV FESTIVAL DE CINE DE CARLOS PAZ.

2009-11-14T12:26:00.007-03:00

Del 26 al 28 de noviembre se llevará a cabo la cuarta edición del Festival Nacional de Cine de Carlos Paz. El evento, organizado por la Municipalidad de dicha localidad serrana, cuenta con una sección competitiva de cortometrajes. "Elio", producido por Bacalao Films, participará en el apartado argumental y "Dionisio - La increíble historia de un cortejo", realizado por Esoteérico Producciones, lo hará en el de animación.

Por otra parte, en el mes de octubre pasado "Elio" logró el premio a la Mejor Producción en la Muestra Universitaria de Cortometrajes del IX Festival Internacional de Video de Santa Cruz de la Sierra (FENAVID INTERNACIONAL 2009). Todo un logro!!!

"DIONISIO" EN ANIMA 09.

2009-10-09T16:44:00.007-03:00

Del 8 al 10 de Octubre se llevará a cabo en la ciudad de Córdoba el "V Festival Internacional de Animación de Córdoba - ANIMA 09" y "Dionisio - La increíble historia de un cortejo" estará presente. El evento es organizado por el Centro Experimental de Animación del Departamento de Cine y Tv perteneciente a la Universidad Nacional de Córdoba y se ha erigido como uno de los más importantes encuentros sobre animación a nivel mundial. Cortometrajes provenientes de todos los continentes, respondiendo a las mas variadas técnicas y estéticas, forman parte de la extensa y variada programación del festival que, además, contará con seminarios, cursos y talleres. "Dionisio", el cortometraje animado de Esoteérico Producciones, participará de la sección Panorama Latinoamericano.

Pero eso no es todo. "Dionisio" también formará parte de la Muestra No Competitiva del "IV Festival Iberoamericano de Cortos - Imágenes Jóvenes en la Diversidad Cultural" que se realizará del 14 al 21 de Octubre en la Ciudad de Buenos Aires. Dicho festival tiene como propósito difundir las creaciones audiovisuales de niños, adolescentes y jóvenes de habla hispana y portuguesa, como así también estimular la creación de sus propios relatos.

El filme además ha sido seleccionado para formar parte de la "II Muestra de Cine Independiente del Centro" que se desarrollará del 21 al 25 de Octubre en la ciudad de Río Cuarto y en la cual se proyectarán las más diversas producciones de cine independiente de Córdoba, La Pampa, San Luis, San Juan, Mendoza y Santa Fé.

"NOCHE DE PAZ (NOCHE DE AMOR)" SELECCIONADO EN EL FESTIVAL DE VIGO (ESPAÑA).

2009-09-16T23:12:00.003-03:00

"Noche de Paz (Noche de amor)", cortometraje producido por Esoteérico Producciones, ha sido seleccionado para participar del "Festival de Cortometrajes Vigounhaedez", certamen enfocado en la problématica y la producción audiovisual de los jóvenes.

El evento se desarrollará del 22 al 26 de septiembre en la localidad española de Vigo, situada en Galicia, al norte del país ibérico. La película tendrá el honor de abrir el festival, pues su proyección está prevista para el martes 22 a las 18 hs.

"Noche de Paz (Noche de amor)" es un cortometraje ficcional realizado por Emiliano G. Brasca, Ma. Constanza Curatitoli, Pichu Tomsic, Carlos Ignacio Trioni y Juan Carlos Wuerich.

AY ESTE DIONISIO!!!

2009-08-23T16:15:00.009-03:00

"Dionisio - La increíble historia de un cortejo", cortometraje de animación realizado por Esoteérico Producciones, comenzó su recorrido por todo el país. El filme fue seleccionado para participar de la Muestra Oficial del "VI Festival de Cine y Video Independiente de Escobar", encuentro que se llevó a cabo el pasado 15 y 16 de Agosto en la ciudad bonaerense de Belén de Escobar. Pero eso no es todo, pues Dionisio el próximo 4, 5 y 6 de Septiembre estará en la localidad de San Pedro (también en la Provincia de Buenos Aires) concursando en el "III Festival Nacional de Cortos de San Pedro" y del 16 al 27 de septiembre hará lo suyo en el prestigioso y reconocido "Festival de Cine y Video Latinoamericano de Buenos Aires" en su 7ma edición.

"Dionisio - La increíble historia de un cortejo" es un cortometraje realizado bajo la técnica del stop motion por Emiliano G. Brasca, Ma. Constanza Curatitoli, Pichu Tomsic, Carlos Ignacio Trioni Bellone y Juan Carlos Wuerich.

DIONISIO.

2009-03-13T20:10:00.005-02:00

Hoy presento en exclusiva "Dionisio - La increíble historia de un cortejo", cortometraje de animación realizado integramente por Esoteérico Producciones. El filme, desarrollado bajo la técnica del stop motion, cuenta una mágica historia de amor: durante las noches el atelier de un bohemio artista francés cobra viva dando lugar a un increíble cortejo.

Emiliano G. Brasca, Ma. Constanza Curatitoli, Pichu Tomsic, Juan Carlos Wuerich y Carlos Ignacio Trioni son los autores del mencionado cortometraje.

SEGUIMOS DE RONDA...

2008-11-24T20:07:00.008-02:00

Y si... "Noche de Paz (Noche de Amor)" continúa su recorrido por los festivales. En este caso se trata del III Festival Nacional de Cine de Villa Carlos Paz, muestra organizada por la Municipalidad de dicha ciudad que se llevará a cabo del 27 al 30 de noviembre en el complejo de cines Holiday.
El filme realizado por Esoteérico Producciones fue seleccionado para participar de la muestra competitiva de cortometrajes proyectándose el viernes 28 a las 17 horas en la sala 1 del mencionado cine.
Para mas información acerca de la participación de "Noche de Paz (Noche de Amor)" en el festival hacé click aquí.

PRESENTACIÓN OFICIAL DEL TRAILER DE "ELIO".

2008-11-23T16:58:00.012-02:00

Ya está entre nosotros el avance oficial de "Elio", un cortometraje ficcional (16 mm) realizado integramente por BACALAO Films, un grupo de prometedores realizadores audiovisuales argentinos.
El filme cuenta la historia de vida de Elio, un peculiar personaje que, siendo rechazado y despreciado por todo y todos, afronta su negada existencia con optimismo, actitud que lo lleva a encontrar la felicidad, la superación y la realización personal en el lugar menos esperado. El cortometraje se define como una comedia dramática abordada desde el grotesco y la sátira; y cuya narración, enmarcada en la tradición de la fábula y el cuento popular, propone un creativo planteo visual y sonoro lleno de poesía y color.

24.

2008-11-15T20:52:00.001-02:00

Y a festejar al ritmo de "You Can't Stop The Beat"!

POR LOS FESTIVALES...

2008-10-28T15:28:00.006-02:00

"Noche de Paz (Noche de Amor)" comenzó su recorrido por los festivales y el mundo. La noticia que nos ocupa es su participación en el III Festival Internacional de Cine Infantil y Juvenil de Medellín, organizado por la Fundación Crea. El cortometraje (cuya autoría pertenece a los realizadores Constanza Curatitoli, Pichu Tomsic, Emiliano Brasca, Juan Carlos Wuerich y Carlos Ignacio Trioni) fue seleccionado, junto a otros 14 cortometrajes -ficcionales, documentales y de animación- provenientes de Latinoamérica y España, para participar en este prestigioso festival que hace incapié en la alfabetización audiovisual de niños y jóvenes. La temática del encuentro, que se desarrolló del 15 al 19 de Octubre en la ciudad de Medellín, fue Familia y Sociedad. Recordemos que "Noche de Paz (Noche de Amor)" es un filme ficcional que refleja, a través del humor, los conflictos cotidianos que afectan al mundo familiar.

Resultó ganador de la competencia de Video Ficcional el cortometraje cordobés "Abuela" dirigido por Martha Maldonado (nuestras felicitaciones a los realizadores). Sin lugar a dudas el solo hecho de participar fue una experiencia única e inolvidable. Y saber que personas tan lejanas y distintas pudieron apreciar nuestra obra es el mas grande de todos los premios.

Para mas información sobre la participación del cortometraje en el festival: www.fundacioncrea.org

"NOCHE DE PAZ (NOCHE DE AMOR)" - REESTRENO EN EL CINECLUB MUNICIPAL "HUGO DEL CARRIL".

2008-05-27T23:20:00.016-03:00

El próximo martes 03 de junio se llevará a cabo el reestreno de "Noche de Paz (Noche de Amor)", un cortometraje ficcional realizado íntegramente en la provincia de Córdoba por un grupo de jóvenes cineastas locales. El filme tuvo su estreno el miércoles 19 de diciembre de 2007 en una velada íntima desarrollada en el complejo de cines Gran Rex de la Ciudad de Córdoba a la cual asistieron amigos y familiares de los realizadores. Aunque la inminente proyección en el Cineclub Municipal "Hugo del Carril" se trata de su verdadera presentación en sociedad, pues el ciclo "El Corto" se encargará de poner al alcance de todos los cordobeses este singular filme que refleja, a través del humor, los conflictos cotidianos que afectan al mundo familiar.
"Noche de Paz (Noche de Amor)" nació del esfuerzo y la dedicación de Constanza Curatitoli, Emiliano Brasca, María "Pichu" Tomsic, Carlos I. Trioni y Juan Carlos Wuerich; pero no estuvieron solos. Familiares, amigos, compañeros y un maravilloso grupo de actores, integrado por Maura Sajeva, Ariel Merlo, Tita Duprat, Emiliano Bergoglio, Valeria Urigu, Patricia Lescano, Ana Petit, Myrna Brandán, Horacio López, Mariana Cavallaro y Ezequiel Domínguez, acompañaron a los realizadores a lo largo de este extenso camino.
¿Qué pasaría si esta Navidad la sorpresa mas grande no la trae Papá Noel? Están todos invitados a descubrir la respuesta. La cita es el próximo martes 03 de junio a las 23 horas en el Cineclub Municipal "Hugo del Carril", ubicado en Bv. San Juan 49, Ciudad de Córdoba.

Quiero expresar un agradecimiento especial a Juan Pablo Antun que coloboró con la realización del avance promocional.

TRAILER RECOMENDADO DE LA SEMANA: "THE FALL".

2008-04-26T20:10:00.003-03:00

El avance recomendado de esta semana pertenece a “The Fall”, una coproducción de India, EE.UU. y Gran Bretaña que data del año 2006. Dirigida por Tarsem Singh (responsable de varios videos musicales y la malograda “La Celda”, con Jennifer López) y protagonizada por Lee Pace (el extraordinario Ned de “Pushing Daisies”), el avance se destaca por sus impresionantes imágenes, cargadas de plasticidad, color y poesía. Sin lugar a dudas el filme promete un innovador planteo acerca del concepto fantasía, apoyado, básicamente, por el desempeño de la fotografía, el maquillaje, el vestuario y la escenografía.
A pesar de su exitoso paso por numerosos festivales internacionales (Toronto, Los Ángeles, Ámsterdam) y el reconocimiento en muchos de ellos (Mención especial en el Festival de Berlín 2007 y Mejor Filme en el Festival de Cataluña 2007), “The Fall” ha tenido que esperar dos años para su estreno comercial (el 9 de mayo próximo será su estreno en USA). Esperemos que el resultado esté a la altura de las expectativas generadas por las bellas imágenes que se continúan.

PRESENCIA ARGENTINA EN CANNES.

2008-04-24T00:12:00.003-03:00

Se puso en marcha la 61ª edición del Festival de Cannes y la abultada presencia argentina no pasó inadvertida y eso, por supuesto, nos llena de regocijo. La organización del festival de cine más importante y reconocido del mundo dio a conocer en el día de hoy el listado de los filmes que competirán en la sección oficial. Junto a figuras reconocidas internacionalmente como Clint Eastwood (que presentará “The Changeling”, con Angelina Jolie), Steven Soderbergh (haciendo lo propio con “El Argentino”, filme sobre el Che Guevara interpretado por Benicio Del Toro), Charlie Kaufman (“Synecdoche, New York”), Walter Salles (“Linha do Passe”) y Win Wenders (“The Palermo Shooting”) estarán la salteña Lucrecia Martel (“La mujer sin cabeza”) y el realizador bonaerense Pablo Trapero (“Leonera”) aspirando alcanzar la preciada Palma de Oro.
Por su parte, el director bosnio Emir Kusturica dará a conocer, fuera de competencia, su maratónico documental acerca de la vida del astro del fútbol argentino Diego Maradona; Steven Spielberg y Woody Allen harán lo propio presentando en sociedad “Indiana Jones IV” y “Vicky Cristina Barcelona” respectivamente.
El festival se celebrará del 14 al 25 de mayo, siendo “Sex and the City” el filme escogido para inaugurar la competencia que tendrá un jurado integrado por artistas como Natalie Portman, Alfonso Cuarón y Sean Penn, oficiando de presidente. Con ese tribunal ¿algún concursante correrá con ventaja? Esa y otras dudas sobre el mundo del cine tendrán su respuesta en breve.

BLINDNESS: UN TRAILER IMPACTANTE.

2008-04-06T18:46:00.007-03:00

"Blindness" es uno de los grandes filmes que podremos ver durante el 2008. Dirigida por el brasileño Fernando Meirelles ("Ciudad de Dios", "El Jardinero Fiel") se trata, nada mas y nada menos, de la versión cinematográfica de una de las novelas mas populares del ganador del Premio Novel José Saramago, "Ensayo sobre la ceguera".

La premisa del relato es tan simple como aterradora. Una extraña epidemia, inexplicable mal consistente en una infinita ceguera blanca, asola a todo un país. La enfermedad se extiende y las calles acaban repletas de ciegos. El temor y la crisis aumenta al tiempo que las personas se convierten en presa de los mas bajos instintos del ser humano. El profundo egoísmo que caracteriza a los personajes de la novela es una metáfora de la sociedad actual: la ceguera va mas allá del significado propio de la enfermedad física.

En medio de esta profunda crisis uno de los tantos personajes parece ser inmune y para acompañar a su esposo en el dolor finge sufrir la enfermedad. A partir de ese acontecimiento surge el siguiente cuestionamieto: ¿Cuál sería nuestro grado de responsabilidad como personas que “vemos la luz” en un mundo de ciegos?

El rodaje del filme producido por Miramax tubo lugar en la ciudad de Montevideo durante el año pasado y cuenta con las actuaciones de un elenco de lujo: Julianne Moore, Mark Ruffalo, Alice Braga, Sandra Oh, Danny Glover y Gael García Bernal.

El estreno mundial esta previsto para mediados de septiembre, previo paso por los Festivales de Venecia y Toronto. Muchos críticos y entendidos están especulando sobre las posibilidades del filme en la próxima temporada de premios. El trailer estrenado esta semana no hace otra cosa que reafirmar dichas premisas.

LO NUEVO DE PETER JACKSON: "THE LOVELY BONES"

2008-04-03T22:21:00.002-03:00

“The Lovely Bones” (“Desde mi cielo”, su título en la edición española) es una fascinante y emotiva novela cuya autoría pertenece a la escritora norteamericana Alice Sebold. Publicado por primera vez en el año 2002, el libro se ha transformado en un verdadero fenómeno de ventas a nivel mundial. Partiendo desde una extraña pero atractiva mezcla entre ternura, fantasía y terror, la novela narra los desdichados acontecimientos vividos por la pequeña Susie Salmon. Violada y asesinada a manos del señor Harvey (su vecino), la jovencita observa desde el cielo la evolución de cada uno de los miembros de su familia al tiempo que se desarrolla la investigación policial del crimen que la tiene por objeto.
El director Peter Jackson (responsable de la trilogía de “El Señor de los Anillos”) se enamoró perdidamente de la novela al punto de comprar los derechos de la misma de forma independiente. El escepticismo de los estudios de Hollywood era grande, pero si algo caracteriza al realizador neozelandés es el riesgo y la tenacidad. En Octubre de 2007 comenzó el rodaje del filme cuyo elenco está encabezado por la recientemente nominada al Oscar y talentosa Saoirse Ronan (como Susie). Rachel Weiz y Mark Wahlberg también son de la partida (interpretando a los padres de la púber) junto a Susan Sarandon (como la abuela) y Stanley Tucci (como el vecino criminal).
Según propias declaraciones del director el filme va a mostrar una clase de fantasía nunca antes vista; y la experiencia vivida con la obra de Tolkien no hace más que validar sus palabras. Seguramente estaremos frente a otra grata experiencia cinematográfica.
El estreno mundial de “The Lovely Bones” está previsto para el 13 de Mayo de 2009.

TRAILER RECOMENDADO DE LA SEMANA: "WALL-E"

2008-03-31T22:34:00.008-03:00

Disney está preparando el terreno para el inminente estreno de la última producción de su filial de animación digital (Pixar). "Wall-E", sin lugar a dudas, es uno de los estrenos mas esperados del año y la campaña de promoción del filme está atento a ello. Dirigida por Andrew Stanton (responsable de "Buscando a Nemo") la cinta cuenta una extraordinaria historia sobre el valor de la amistad y promete emoción genuina en forma de lágrimas. El estreno en nuestro país está pautado para el 3 de julio. Aquí el trailer promocional, a disfrutarlo!

"SHOOT ´EM UP"

2008-03-16T18:32:00.007-03:00

“SHOOT ´EM UP” (EE.UU. 2007) Duración: 86 minutos. Dirección: Michael Davis. Intérpretes: Clive Owen, Paul Giamatti, Monica Bellucci. Guión: Michael Davis. Fotografía: Peter Pau. Música: Paul Haslinger. Edición: Peter Amundson.
Calificación: CAR LOST

“Shoot ´Em Up” es una película que no se toma nada en serio; ni siquiera a si misma. Y eso, que podría haber sido un gran acierto, se siente como un paso en falso. La primera toma lo dice todo: el logo de la New Line Cinema termina agujereado por la acción de un arma de fuego. A partir de ese momento no hay vuelta atrás ni excusas para encontrarle coherencia y sentido común a una cinta que, a pesar de encerrar su propia lógica, no logra que el público deje de percibir interferencias en la exageración de su ser.
El camino escogido por el director para contar esta sencilla historia (acerca de un pistolero solitario que debe proteger a un recién nacido de las balas de una organización gubernamental) fue arriesgado y muy personal. De no ser por eso el atractivo de la cinta sería nulo, pues el argumento es bastante soso y presumido. Y en correspondencia a ello los personajes son llevados al límite de sus posibilidades, al igual que las situaciones en las que se ven envueltos, sin tener mínimamente en cuenta el sentido del buen gusto y la decencia (la violencia – física, verbal, involuntaria y/o intencional - vertida gratuitamente sobre el niño en cuestión roza lo sádico y aún mas lo amoral).
Aún así es notoria la convicción demostrada por el director Michael Davis, que no vacila jamás a pesar de equivocarse exorbitante y grotescamente en varios de sus planteos, los que cree mas ingeniosos y ocurrentes de lo que realmente son. Decidido a empapar cada fotograma con dicha confianza (y sangre, por supuesto) el realizador se propone parodiar el género que aborda aunque solo logre una irreflexiva y excedida burla hacia el espectador y el cine mismo.
En resumidas cuentas “Shoot ´Em Up” es un filme para aquellos pocos que estén dispuesto a soportar este planteo por mas vanguardista, directo e incompleto que pretenda ser. La cinta -cursi, necia y superficial a la vez- hace ruido constantemente y eso incomoda (Clive Owen devorando zanahorias entre otras tantas cosas). La propuesta podría sintetizarse en una de las tantas secuencia del filme que rozan lo exótico: un tragicómico, brutal y ruidoso tiroteo desatado por Clive Owen mientras mantiene relaciones sexuales junto a Mónica Bellucci. Sin palabras, sin comentarios.

CARACTERÍSTICAS DEL DVD:

- Contenido: 1 Disco.

- Imagen: 2.35:1 16/9 Anamórfica.

- Audio: Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano.

- Contenido Extra: Escenas eliminadas, Escenas alternativas, Audiocomentario del director, Rodando "Shoot ´Em Up", Ballet de balas, Animatics, Trailers.

NUEVA SERIE: "MISS GUIDED".

2008-03-13T19:13:00.006-02:00

"Miss Guided" es la nueva comedia de situaciones (filmada en el formato de una cámara cinematográfica) que la cadena de televisión ABC ha de estrenar el próximo 18 de marzo de 2008. La serie sigue las desventuras de Becky Freeley, la típica chica "impopular" a la que nos tiene acostumbrada la TV y el cine de Hollywood, que regresa al colegio de su adolescencia como consultora de orientación. Pero las cosas ya no son como ayer pues Becky ha cambiado: hoy es una mujer lista, apuesta, segura de si misma y que no teme enfrentarse a Lisa, su antítesis durante la preparatoria, quien también trabaja en el establecimiento escolar y con la que se enfrentará por el amor de Tim, el profesor de español.

La serie está protagonizada por Judy Greer, como Becky, Earl Billings, Brooke Burns y Kristoffer Palaha, y uno de sus productores es el actor Ashton Kutcher.

TRAILER RECOMENDADO DE LA SEMANA: "CORALINE"

2008-03-05T13:54:00.008-02:00

"Coraline" es el nuevo proyecto cinematográfico de Henry Selick, director de las fabulosas cintas de animación "El extraño mundo de Jack" y "James y el durazno gigante". Desarrollada bajo la técnica de stop motion, la película será proyectada en los cines en formato de tres dimensiones y su estreno está previsto para el mes de febrero de 2009. Entre los actores que darán vida a los personajes se encuentra Dakota Fanning (como la pequeña Coraline) y Teri Hatcher (interpretando a su madre).
Basándose en el relato del escritor Neil Gaiman (autor de la novela que dio origen al filme "Stardust" y guionista y productor de "Beouwulf"), "Coraline" narra la historia de una curiosa niña que descubre una misteriosa puerta en su nueva casa, que la conducirá a un mundo paralelo donde ha de vivir una serie de extraordinarias aventuras: ...algunas puertas no deberían ser abiertas... sentencia el avance cinematográfico. ¿La niña habrá hecho lo correcto?

SWEENEY TODD.

2008-03-02T23:46:00.010-02:00

“SWEENEY TODD: EL BARBERO DEMONÍACO DE LA CALLE FLEET” (EE. UU. 2007) Duración: 116 minutos. Dirección: Tim Burton. Intérpretes: Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Alan Rickman, Timothy Spall, Sacha Baron Cohen, Jamie Campbell Bower. Guión: John Logan, basado en el musical de Stephen Sondheim y Hugh Wheeler. Fotografía: Dariusz Wolski. Música: Stephen Sondheim. Edición: Chris Lebenzon. Diseño de Producción: Dante Ferretti.
Calificación: CAR LOST

En varias ocasiones he hecho pública mi simpatía hacia el género musical como también la admiración que siento por el talento artístico de Tim Burton. “Sweeney Todd” debería haber sido un programa sin desperdicios, pero no fue así: la última creación de la dupla Burton-Depp, contrariamente a lo que esperaba, me defraudó profundamente.
En términos generales “Sweeney Todd” es un filme que se queda a mitad de camino en todo aspecto. Incluso su esencia encierra el mayor de sus problemas: el musical (por mas que sea de terror) y Burton definitivamente no son una buena combinación. La materia prima que sirve a la película (ya sea el mito viviente del barbero asesino o el musical de Stephen Sondheim y Hugh Wheeler) es de una riqueza impresionante, aunque está desaprovechada pues los caminos escogidos por el director no fueron los mas indicados. Ya sea por el desconocimiento de los códigos propios del musical, la no aceptación de los mismos o su incompatibilidad con la visión sanguinaria y gótica de Burton, “Sweeney Todd” termina resultando un híbrido incoherente e irregular; las secuencias musicales no tienen fluida conexión con aquellas de texto hablado y viceversa, lo que provoca que el filme se aprecie como dos películas distintas sobre el mismo tema (cada una de ellas con sus aciertos y desaciertos) unidas casualmente y sin ningún tipo de precisión.
El mismo tipo de problema se percibe en el guión. Burton no se decide sobre que arista de la historia centrarse y en consecuencia se origina un divagare narrativo que no permite el desarrollo completo de ninguna de las tramas (¡incluso la principal!). El espectador nunca ha de enterarse de las justificaciones y los porqués del accionar de los personajes. Si poco y nada sabemos de la transformación de Benjamin Barker y la consecuente venganza de Sweeney Todd, mucho menos conoceremos acerca del ensañamiento del Juez Turpin para con el barbero o sobre el repentino e incondicional enamoramiento de Anthony por Johanna. Porque “Sweeney Todd” posa su atención en aspectos accesorios, al punto de volverse repetitiva, inconsistente y cansadora: una y otra vez vemos a Johnny Depp salpicarse con sangre inocente o examinamos las fantasías románticas de Helena Bonham Carter (hecho que solo se justifica por la relación sentimental-familiar de la actriz con el realizador), pero nunca llegamos a saber a ciencia cierta la génesis de truculenta tragedia (parece ser que el director confió excesivamente en el conocimiento previo del espectador subestimando al público desprevenido y corriente).
El musical no es apto para todo público y dicha acepción corre de igual manera para sus intérpretes. Johnny Depp es uno de los actores mas talentosos de su generación y junto a Tim Burton ha desarrollado una serie de personajes que desbordan excentricidad. Pero su desempeño en “Sweeney Todd” no sobrepasa la media. Personalmente creo que ha llegado el momento de exigirle al actor la no repetición, lo que implicaría necesariamente unas vacaciones lejos de Burton. Tal como mencionaba anteriormente, la excesiva presencia en pantalla de Helena Bonham Carter solo se entiende por el hecho de ser la esposa del director, pues sus cualidades vocales son nulas. Alan Rickman y Timothy Spall pasan totalmente inadvertidos mientras que Jayne Wisener (Johanna) es la versión clonada de Christina Ricci en “Sleepy Hollow”, filme al que se hace referencia infinidad de veces a lo largo de todo el metraje. A pesar de la irregularidad del elenco Sacha Baron Cohen (Pirelli) y el niño Ed Sanders (Toby) se lucen al punto de opacar al mismísimo Depp, pues sencillamente han hecho lo que debían hacer: lograr la combinación justa entre comedia musical y drama sanguinario.
La irregularidad de “Sweeney Todd” alcanza incluso a la estética visual, uno de los aspectos más característicos y valorados del universo Burton. La fotografía (extrañamos a Emmanuel Lubezki), empecinada en encarnar el lúgubre corazón del personaje, no permite –literalmente- distinguir con totalidad el diseño de producción y el vestuario (sin lugar a dudas el aspecto mas destacado de todo el filme). Por su parte las capas de cosmético en el rostro de los personajes son tan exageradas que el maquillaje resulta totalmente inverosímil y ridículo.
Resumiendo, “Sweeney Todd” es un intento fallido y solo de a ratos se perciben ráfagas del Burton genuino (y la mayoría de ellos prescinden de las ataduras del musical lo que una vez mas apoya mi teoría de que el filme debería haber tenido un formato clásico). Una verdadera lástima sobre todo por lo que el filme podría haber significado. Quizás mis expectativas eran muy elevadas: fui a ver la mejor película de Tim Burton y me encontré con una mas del montón, una piedra en el zapato, un traspié en su filmografía el cual prefiero olvidar.

Para destacar: la contundente toma final que tiene el dramatismo, la fuerza y el valor que el resto del filme no se animó a desarrollar.

SORPRESA Y NO TANTO.

2008-02-27T21:07:00.007-02:00

Se entregaron los premios Oscar a lo mejor del cine y como era de esperarse no hubo grandes extrañezas en las categorías principales aunque si un par de sorpresas en el apartado de rubros técnicos. “No Country for old Men” y los hermanos Cohen fueron los grandes vencedores de la noche. La cinta se alzó con 4 premios: Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Actor Secundario (para el español Javier Bardem) y Mejor Guión, dejando relegada a su mayor competidora, “There will be blood”, que cosechó dos laureles: Mejor Actor, número puesto para Daniel Day-Lewis, y Mejor Fotografía. El resto de las grandes competidoras debieron conformarse solo con una estatuilla: “Atonement” ganó por la excelente banda sonora a cargo de Darío Marianelli, “Juno” en el apartado de guión original y la panfletaria “Michael Clayton”, en contra de muchos pronósticos, logró un Oscar por la actuación de Tilda Swinton (por sobre las deslumbrantes composiciones de Amy Ryan o Cate Blanchett!)
Esta 80ª entrega fue un evento bastante desabrido y sobrio, donde lo mas destacado fue la habilidad del conductor Jon Stewart para hacer comentarios en referencia a la huelga de guionistas, los nostálgicos clips que evocaron a los actores, actrices, cineastas y películas ganadoras a lo largo de estos 80 años y, por supuesto, los números musicales a cargo de Amy Adams y la estrella de Broadway Kristin Chenoweth que interpretaron dos de los tres temas nominados a Mejor Canción pertenecientes a la película “Encantada” (aunque el gran Alan Menken fue vencido a manos de los ignotos compositores de “Falling slowly" del filme indie “Once”). Entre el material para el olvido podemos remarcar la intervención de los marines desperdigados en Irak quienes presentaron a los ganadores en el rubro documental, la pobre puesta escenográfica y la austeridad general (muchos adjudican eso a las consecuencias de la huelga del SAG).
Tal como decía, los Oscars siempre deparan alguna que otra sorpresa y este año fue en el apartado técnico. Es digno de destacar la excelente performance de “El Ultimátum de Bourne” que, con una efectividad del 100 por ciento, se alzó con los galardones a Montaje, Sonido y Montaje de Sonido. “The Golden Compass” dio la nota al llevarse el correspondiente premio a Mejores Efectos Visuales dejando a “Transformes”, la máxima favorita en el rubro, con las manos vacías. “Elizabeth: The Golden Age” hizo lo suyo en Vestuario, “Sweeney Todd” otro tanto en Dirección Artística y “Ratatouille” fue considerado el Mejor Largometraje de Animación.
El pobrísimo filme francés “La vie en rose” (perdón, ¿no era un telefilme de Hallmark?) hizo historia al transformarse en el vehículo al Oscar para Marion Cotillard, la segunda actriz de la historia en ganarlo por una interpretación en lengua no inglesa. La francesa desbancó a Julie Christie y a Ellen Page, dos favoritas, gracias a su composición de la cantante Edith Piaf, personaje que le demandó una extremada entrega física (mucho se debe al Maquillaje que también tuvo su reconocimiento), aunque el resultado es una criatura totalmente despreciable que no inspira la mas mínima simpatía.
Sin dudas la gran olvidada de la noche fue “The diving bell and the Butterfly” que regresó a casa con las manos totalmente vacías. Michael Moore no pudo (afortunadamente) repetir la hazana conseguida con “Bowling for Columbine” y Austria obtuvo su primer Oscar gracias a “Los Falsificadores”.
Según datos oficiales la ceremonia fue vista por poco menos de 30 millones de espectadores en Estados Unidos, siendo esta la audiencia más baja de los últimos tiempos. Las causas de dicho fracaso puede encontrarse en el bajo desempeño en taquilla de las películas nominadas, en la predominancia de Europa en la mayoría de las categorías (los actores y la mayoría de los directores técnicos premiados son oriundos del viejo continente) o simplemente en el hecho de que el cine de autor parece que no interesarle a un público que ya empezó a pensar en la entrega número 81: “Australia” de Baz Luhrmann con Nicole Kidman y Hugh Jackman, “Blindness” de Fernando Meirelles, “Body of Lies” de Ridley Scott con Leonardo DiCaprio y Russell Crowe, “Defiance” de Edward Zwick con Daniel Craig, “Frost/Nixon” de Ron Howard, “Guerrilla” de Steven Sodenberg con Benicio Del Toro, “Revolutionay Road” de Sam Mendes con Kate Winslet y Leonardo DiCaprio, “The Changeling” de Clint Eastwood con Angelina Jolie, “The Curious Case of Benjamin Button” de David Fincher con Brad Pitt y Cate Blanchett, “The Reader” de Stephen Daldry con Kate Winslet y Ralph Fiennes, “Wall – E”, “The Dark Knight” e “Indiana Jones IV” son algunos de los potenciales nombres que van a dar batalla en la próxima temporada. Pero son solo especulaciones, porque los Oscars siempre deparan mas de una sorpresa: muchos quedarán en el camino, habrá mas de un destapado, muchos justos e injustos olvidados y todo un año para recorrer este apasionante juego que son los Oscars.

***

A continuación el listado completo de ganadores:

MEJOR PELÍCULA: "No country for old men"
MEJOR DIRECTOR: Joel Coen & Ethan Coen, "No country for old men"
MEJOR ACTOR: Daniel Day – Lewis, "There will be blood"

MEJOR ACTRIZ: Marion Cotillard, "La vida en rosa"

MEJOR ACTOR SECUNDARIO: Javier Bardem, "No country for old men"

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA: Tilda Swinton, "Michael Clayton"

MEJOR GUIÓN ORIGINAL: Diablo Cody, "Juno"

MEJOR GUIÓN ADAPTADO: Joel Coen y Ethan Coen, "No country for old men"

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN: "Ratatouille"

MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA: "The counterfeiters" (AUSTRIA)

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA: "Sweeney Todd"

MEJOR FOTOGRAFÍA: "There will be blood"

MEJOR VESTUARIO: "Elizabeth: La edad de oro"

MEJOR MONTAJE: "El ultimátum de Bourne"

MEJOR MAQUILLAJE: "La vida en rosa"

MEJOR BANDA SONORA: "Atonement"

MEJOR CANCIÓN: "Falling slowly" (Once)

MEJOR SONIDO: "El ultimátum de Bourne"

MEJOR MONTAJE DE SONIDO: "El ultimátum de Bourne"

MEJORES EFECTOS VISUALES: "La Brújula Dorada"

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL: "Taxi to the dark side"

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL: "Freeheld"

MEJOR CORTOMETRAJE FICCIONAL: "The Mozart of pickpockets"

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN: "Peter & The Wolf"

AMO LOS OSCARS, ¿Y QUE?

2008-02-24T20:38:00.006-02:00

Amo los OSCARS y no tengo miedo en admitirlo o vergüenza a gritarlo a viva voz. Llámenme frívolo, falto de juicio o de poco intelecto, pero la ceremonia anual de entrega de los Premios de la Academia de Hollywood es un espectáculo que disfruto y me entretiene. Sucede que tomo al Oscar como lo que verdaderamente es: una fiesta desbordada de glamour cuyo único objetivo es mimar a la industria, divertir al público y generar más beneficios económicos mediante la excusa de la premiación a lo mejor del séptimo arte (aunque hay mas de un “intelectual” desubicado que se toma esta idea de elegir a la "Mejor Película" con mas seriedad e importancia de la que realmente tiene). Y este tipo de entretenimiento me encanta: ver desfilar las estrellas del cine mundial, el reconocimiento a importantes cineastas y el triunfo de grandes películas en el marco de un apasionante juego de predicciones repleto de intriga, tensión y suspenso. ¿Que mas puede pedir un cinéfilo empedernido?

Los Oscars son un gran espectáculo, un enorme show televisivo y mediático cuyas implicancias, directa o indirectamente, alcanzan a todo lo que se relaciona (laboral o afectivamente) con el cine. Pues los Premios de la Academia son un evento de innegable trascendencia que no pasan inadvertidos, incluso, para los escépticos y detractores. Pues estamos frente al galardón mas importante del séptimo arte debido a su envergadura democrática (estamos frente al mayor jurado del mundo del cine), el status que proporciona a los ganadores, la expectativa del público, el efecto en la taquilla y el incentivo general a toda la industria cinematográfica.

Hoy es la 80ª entrega anual de los Premios Oscars y la ceremonia estará teñida de nostalgia, homenajes y recuerdos. "No country for old Men", "There will be blood", "Michael Clayton", "Juno" y "Atonement" son los filmes que darán batalla, pero solo uno será el gran vencedor. Todos tienen chances pues, a pesar de su carácter previsible y de su impronta histórica, en los Oscars siempre está latente la posibilidad de la sorpresa. El gran enigma ha de develarse en unas horas. Los invito a que compartan conmigo este gran juego que es el Premio Oscar. Ojalá lo disfruten tanto como yo.

"É - FEMME" Y EL FINAL DE LA TRILOGÍA.

2008-02-18T23:24:00.003-02:00

"É - Femme" es la tercera y última parte (por ahora) de la saga de canal É. Britney conduce un excéntrico programa de televisión dedicado a la mujer moderna. Paola, una sensual sexóloga, la acompaña en su labor aportando consejos útiles y atrevidos sobre la vida sexual. En este caso se centran en la consulta de un televidente, Juampy, quien pregunta acerca de la forma en que se conciben los bebés.

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"É - Femme: Britney y Paola te enseñan como nace un bebé" es un cortometraje de animación realizado conjuntamente por María Constanza Curatitoli, Emiliano G. Brasca, Juan Carlos Wuerich y Carlos Ignacio Trioni en el marco de la cátedra de Cine de Animación de la Carrera de Cine y TV de la UNC. La técnica utilizada fue mixta: recorte y dibujo pivotado.

MÁS CORTOS. HOY: "É - CARTOONS".

2008-02-13T17:09:00.006-02:00

Continúa el desfile de cortometrajes en El Cuarto de Carlost. Hoy es el turno de la segunda parte de la trilogía de Canal É. En este caso, nuestro particular canal de televisión, nos ofrece en su programación un excéntrico segmento destinado a los mas pequeños. "É - Cartoons" es su nombre y está entre nosotros para que todos lo disfruten.

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"É - Cartoons: Las aventuras de Mandarín y el Niño Gajo" es un cortometraje de animación desarrollado por Constanza Curatitoli, Emiliano Brasca, Juan Carlos Wuerich y Carlos Ignacio Trioni en el marco de la cátedra de Cine Animación dictada por la carrera de Lic. en Cine y TV de la UNC . En este caso se experimentó con la técnica de dibujo pivotado o animación clásica.

ILUMINADOS POR EL FUEGO.

2008-02-10T17:34:00.000-02:00

“ILUMINADOS POR EL FUEGO” (Argentina 2005) Duración: 103 minutos. Dirección: Tristán Bauer. Intérpretes: Gastón Pauls, Pablo Ribba, César Albarracín, Juan Leyrado, Virginia Innocenti, Arturo Bonín. Guión: Edgardo Esteban, Gustavo Romero Borri, Tristán Bauer y Miguel Bonasso; basado en el libro de Edgardo Esteban y Gustavo Romero Borri. Producción: Carlos Ruta. Música: Federico Bonasso. Fotografía: Javier Juliá. Montaje: Alejandro Brodersohn. Dirección artística: Graciela Fraguglia. Vestuario: Julio Suárez.
Calificación: CAR LOST

La Guerra de Malvinas personificó el vano e irresponsable intento de las autoridades militares por recuperar a la fuerza un histórico territorio nacional ocupado por tropas inglesas desde hace más de 150 años. La supremacía de una potencia imperialista como Inglaterra, entre otras causas, condujo a una rápida derrota que, si bien propició la humillante salida de los militares del poder y el consecuente retorno de la democracia al país, dejó en el pueblo una herida tan profunda y dolorosa como difícil de curar.
“Iluminados por el fuego” es un filme que habla sobre las heridas que el tiempo no cura, de los dolores que permanecen y no se van. Se la puede considerar una película necesaria, pues la filmografía argentina esquiva la historia reciente, en especial a estos trágicos hechos. “Los chicos de la guerra” de Bebe Kamín y algunas experiencias documentales son los pocos exponentes de este tipo de cinematografía. Es por eso que obras así son demandadas ya que la sociedad argentina, y el cine como parte de ella, tiene una deuda con su pasado y esta obligada a mirar atenta hacia atrás.
La narración comienza con el intento de suicidio de un ex combatiente que se ha convertido en un ser solitario, amargo, alcohólico y violento. Luego de internarlo en un hospital, su mujer llama a Esteban (quién fuera el mejor amigo de su marido durante la guerra), un tipo que parece haber atravesado mucho mejor estas dos décadas pero que igualmente es perseguido por el fantasma de la muerte y el sufrimiento. De este modo el relato nos traslada de un pasado trágico a un presente no menos desgarrador.
El filme está basado en la novela “Iluminados por el fuego” cuya autoría pertenece a los ex combatientes Edgardo Esteban y Gustavo Romero Borri, quienes escribieron el libro para poder dejar atrás el infierno de la guerra y dar lugar al recuerdo del compañerismo y la amistad vivida en la isla. La cinta hace caso a la literalidad y no escapa de ese objetivo. El director busca introducirse en la cabeza de quienes fueran las principales víctimas de esta guerra e intenta comunicar la particular situación que vivieron. Los ex combatientes no solo lucharon contra el enemigo inglés, también lidiaron contra el ridículo, contra el feroz maltrato de sus propios superiores, contra el terrible frío, contra el hambre, contra su escasa preparación, contra su juventud, contra su adolescencia…
La película, en buena medida, trata de graficar lo indecible, busca imágenes para contar el dolor, la frustración, la impotencia y el absurdo. Pero básicamente pone énfasis en el retrato de los pequeños acontecimientos de la vida cotidiana marcados a fuego por los lazos afectivos que, sin lugar a dudas, fueron el sostén fundamental para resistir y seguir adelante durante la guerra. Y dichas escenas, generalmente narradas en tono no dramático, encuentran su real significación en la fuerte carga irónica que portan (la escena de la caza de la oveja es un claro ejemplo de ello). Esos pasajes, intensos y verosímiles, hacen menos obvia la progresión dramática del filme pues está cargado de lugares comunes y no logra, en términos generales, reconciliarse con sus pretensiones, por mas nobles que sean.
Debido a la envergadura del tema, y a su carga histórica y emocional, sería banal detenerse en los notables avances de los efectos especiales lucidos en las escenas bélicas o en la evidente y desprolija intertextualidad entre el filme y los programas televisivos pseudo periodísticos conducidos por el actor protagonista. Aunque es válido reconocer la habilidad e inteligencia de la producción para aprovechar al máximo los recursos técnicos disponibles.
Pero estas discordancias (políticas, ideológicas y artísticas) no hacen otra cosa que invalidar el filme. Pedir una película bélica a lo Hollywood sería nefasto. La historia nos habla de un claro sometimiento político y militar, pero en “Iluminados por el fuego” se percibe una densa atmósfera derrotista que hace brotar más odio y dolor. Cuando el filme hace confluir todos sus elementos se genera una fuerte carga emotiva aunque es evidente cierta cobardía en el discurso. Pues “Iluminados por el fuego” deja de lado el carácter heróico, la admiración y el respeto que todos los veteranos merecen a cambio de un efecto lagrimógeno y políticamente correcto para con la platea y el gobierno de turno. Vaya homenaje para aquellos grandes héroes de nuestra nación.

LOS CORTOMETRAJES DE CARLOST: "É - NEWS"

2008-02-09T21:08:00.000-02:00

El día llegó. Varios de mis cortometrajes y trabajos prácticos se encuentran disponibles en la red. Comienzo con la primera parte de la trilogía de cortometrajes de animación del Canal É. "É - News: Rusia llega a la Luna" fue la primera expericia de Cocó, Juan, Emi y quien escribe con la animación. Se trata de una práctica en el que experimentamos los principios básicos de la animación y de la técnica de recorte. Que lo disfruten.

***

"É - News: Rusia llega a la Luna" es un cortometraje realizado conjuntamente por Constanza Curatitoli, Emiliano Brasca, Carlos Ignacio Trioni y Juan Carlos Wuerich.

TRAILER RECOMENDADO DE LA SEMANA: "THE HAPPENING".

2008-02-05T19:18:00.000-02:00

Hace un tiempo atrás hablabamos del inminente regreso de M. Night Shyamalan con su nuevo filme: "The Happening". El trailer ya comenzó a circular por la red y una vez mas se confirma la habilidad del director hindú para vender y hacer atractivos sus filmes por mas que no sepamos nada acerca de ellos (y que en muchos casos resulten ser un fiasco). El avance cinematográfico ofrece una frenética sucesión de impactantes y sugestivas imágenes (acompañadas de una punzante música) de aquello que todavía no sabemos nada. Regresa M. Night Shyamalan, el mismo de siempre.

GONE BABY GONE.

2008-02-04T17:34:00.000-02:00

“GONE BABY GONE” (EE.UU. 2007). Duración: 114 minutos. Dirección: Ben Affleck. Intérpretes: Casey Affleck, Michelle Monaghan, Morgan Freeman, Ed Harris, Amy Ryan. Guión: Ben Affleck y Aaron Stockard. Fotografía: John Toll. Música: Harry Gregson-Williams. Edición: William Goldenberg. Diseño de producción: Sharon Seymour.
Calificación: CAR LOST

Ben Affleck, contrariamente a lo que muchos esperaban, nos sorprende en su debut como director con un planteo fílmico arriesgado e intrigante. El resultado es “Gone Baby Gone”, una excelente película que manifiesta la capacidad del actor como cineasta y que marca el auspicioso comienzo de lo que esperamos sea una fructífera carrera detrás de cámaras (dejando en claro que su ópera prima no fue solo un capricho).
El filme, basado en la novela homónima del recurrido escritor Dennis Lehane (autor de “Río Místico”), plantea un interesante dilema moral. La desaparición de una niña de 4 años es la excusa diseñada por el realizador para poner en funcionamiento un ejercicio indagatorio que va más allá del procedimiento policial. Affleck se sumerge en las entrañas de la desesperanzada y triste sociedad de Boston con el fin de comprobar su tesis sobre el ser y deber ser, cuestionándose la validez de la ley por sobre lo que la conciencia cree que es mejor. La pregunta está latente en cada fotograma; aunque lo realmente interesante es que el filme en ningún momento impone una respuesta moral o políticamente correcta (tal como lo hiciera Clint Eastwood con los golpes bajos de “Río Místico"). “Gone Baby Gone” obliga al espectador a debatirse poniendo al descubierto las miserias de la propia naturaleza humana.
El filme explora, con un realismo que por momentos asusta, la culpa y la mentira que viven los perturbados habitantes de los suburbios de Boston. El elenco (sobresalen el potente Ed Harris y la ignota Amy Ryan) se entrega a los personajes con veraz intensidad lo que genera una incómoda conjunción de sensaciones en el espectador.
Y sin lugar a dudas el extraordinario desempeño actoral antes citado fue condición fundamental para sostener este complejo entramado repleto de intrigas, secretos y mentiras bien ocultas. Porque “Gone Baby Gone” es un gran rompecabezas cinematográfico. Cada indicio resuelto por los investigadores privados interpretados por Casey Affleck y Michelle Monaghan hace avanzar el relato, resolviendolo con maestría, sin necesidad de extensas escenas dialogadas, artilugios realizativos u obvias recapitulaciones.
El desenlace depara una inesperada sorpresa que cambia el rumbo de la historia y el director sintetiza la propuesta con una simple pero contundente toma final que vale por todo el filme. Aunque lo más importante es que logra movilizar al espectador sin pretensiones o planteos ostentosos, trascendentales y aburridos. Ese es su gran mérito.

HOY ES EL GRAN DÍA.

2008-01-31T16:38:00.000-02:00

Hoy es el día. Regresa "Lost" en su cuarta temporada. La expectativa es alta y no es para menos. Y tal como lo indica su slogan promocional "the wait is over".

¿EN QUE ANDA LA PEQUEÑA ABIGAIL BRESLIN?

2008-01-29T17:54:00.000-02:00

Abigail Breslin, la nueva niña prodigio del cine norteamericano, parece haber dejado el cine independiente y de adultos por un tiempo y así dar paso al estreno de tres filmes destinados al público familiar.
Nacida en la ciudad de New York el 14 de abril de 1996 su debut en el cine fue en el filme “Señales”, dirigida por M. Night Shyamalan. El 2006 fue un gran año para ella; su interpretación en la cinta “Pequeña Miss Sunshine” le valió su primera nominación al Oscar. El 2008 la encuentra muy ocupada. Al inminente estreno del filme “Definitely, Maybe” (14 de febrero en USA), se suman “Nim´s Island” y “Kit Kittredge: An American Girl”.
“Nim´s Island” trata sobre una niña que vive junto a su padre en una exótica y solitaria isla. Cuando el peligro los asota, decide pedir ayuda al creador de su héroe literario preferido: Alex Rover. Pero lo que no sabe es que dicho autor es una tímida y nada valiente mujer que vive recluida en un piso de la gran ciudad. La acompañan Gerard Butler y Judi Foster en un papel muy alejado a los que nos tiene acostumbrados (y demostrando sus dotes para la comedia). El filme se estrena a mediado de año y es una producción de Walden Media.
Por su parte “Kit Kittredge: An American Girl” es la adaptación de una popular serie de libros para niños. Producida por HBO Films y Julia Roberts, el filme cuenta la historia de una niña que posee un gran talento por la escritura. Ambientada en los años de la gran depresión de Estados Unidos, Kit Kittredge intentará salvar a su familia de los problemas económicos que la asechan. La pequeña Breslin estará acompañada por un elenco de lujo que incluye a Joan Cusack, Stanley Tucci y Chris O´Donnel.

A continuación los avances cinematográficos de los filmes en cuestión. Que lo disfruten!

GÁNGSTER AMERICANO

2008-01-25T13:22:00.000-02:00

“AMERICAN GÁNGSTER” (EE.UU. 2007). Duración: 157 minutos. Dirección: Ridley Scott. Intérpretes: Denzel Washington, Russell Crowe, Lymari Nadal, Carla Gugino, Josh Brolin, Ted Levine, Cuba Gooding Jr. y Ruby Dee. Guión: Steven Zaillian. Fotografía: Harris Savides. Música: Marc Streitenfeld. Edición: Pietro Scalia. Diseño de Producción: Arthur Max.
Calificación: CAR LOST

“American Gángster” es la prueba mas reciente del carácter ecléctico de Ridley Scott, director cuya prolífica carrera está signada por la amplitud de géneros, producciones y temáticas. Luego de transitar por la épica histórica, la ciencia ficción, el relato fantástico, el thriller y el drama romántico, llegó el turno del cine de mafiosos. Y el resultado es más que alentador.
Basada en hechos reales, el filme narra los acontecimientos que llevaron a Frank Lucas a convertirse en el narcotraficante más importante de Harlem durante la efervescencia de los años setenta; y de cómo un policía, Richie Roberts, descubrió su más oscura maniobra. El argumento, a simple vista, es bastante clásico; aunque la confrontación de morales propuesta por el director la dotan de un singular atractivo. En una esquina tenemos a un capo de la mafia (verdadero empresario que ofrece un producto de excelente calidad a muy bajo precio) que no guarda ningún tipo de rencor o respeto por las muertes que forjaron su fortuna; pero que se preocupa por el bienestar de los suyos protegiéndolos y satisfaciendo cada una de sus necesidades. Enfrente encontramos a un policía incorruptible cuya honestidad le ha otorgado más de un enemigo entre sus pares; aunque no guarda remordimiento por haberle sido infiel a su mujer o por no desempeñar su rol de padre.
El guión explora el mito del gran sueño americano y la figura del “self man made” con un trasfondo social y político determinado (la Guerra de Vietnam). Es realmente admirable el dominio del director para retratar imágenes crudas sobre las consecuencias de la droga y la corrupción política, al tiempo que desarrolla inteligentemente una narración convencional.
Tal como nos tiene habituados, Scott hace un buen uso del montaje y la fotografía para entregar un relato ágil y entretenido, cuya claridad y pulcra formalidad no dan lugar a la confusión de subtramas, nombres, fechas y/o lugares que nos tienen acostumbrados este tipo de filmes.
Si bien no estamos frente a una obra maestra, el filme no decepciona. La destreza del guionista Steve Zaillan, el oficio y olfato del director Ridley Scott sumado a la presencia en pantalla de dos actores con peso específico propio como Denzel Washington y Russell Crowe, hacen de “American Gángster” un plato mas que atractivo que no hay que dejar pasar.

MURIÓ HEATH LEDGER.

2008-01-22T22:32:00.000-02:00

El mundo es vertiginoso y la noticia de los nominados a los Premios Oscars ha sido dejada de lado. La muerte de Heath Ledger ha conmocionado a todo el mundo cinematográfico. Otro actor jóven, talentoso y con muchos proyectos que muere de manera trágica. Comenzó como galán adolescente en filmes como "1o cosas que odio de tí", pero de a poco fue demostrando su compromiso actoral en filmes como "Los hermanos Grimm" o "Secreto en la Montaña". Este invierno presenciaremos su último trabajo, "The Dark Knight", en donde interpretó al Gausón, archienemigo del hombre murciélago. Sin lugar a dudas el filme de Nolan será mirado (y juzgado) con otros ojos, mas aún teniendo en cuenta que la interpretación de Ledger presume ser extraordinariamente bella y aterradora a la vez. Quizás la mejor de toda su carrera.

AQUÍ ESTÁN. ESTOS SON.

2008-01-22T17:24:00.000-02:00

Hoy a las 11:30 de la mañana, en una conferencia de prensa a cargo de Kathy Bates y Sid Ganis, Presidente de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood, se dio a conocer el listado completo de nominados a los Premios Oscar. Y como siempre la sorpresa se adueñó de todos y más de una predicción a cargo de expertos quedó totalmente desacreditada. Es que los Oscars son así; nada está dicho, nada está asegurado.
El filme de los hermanos Coen, “No Country for Old Men”, y “There Will Be Blood” de P. T. Anderson cumplieron con las expectativa y sumaron ocho candidaturas cada una, convirtiéndose ambas en las cintas mas nominadas.
“Atonement”, por su parte, logró imponerse en 7 rubros a pesar del impulso perdido en los últimos días. Sus actores principales (Keira Knightly y James McAvoy) y su director (Joe Wright) fueron dejados de lado, algo que afortunadamente no sucedió con la joven actriz Saoirse Ronan quien dará pelea en la categoría Mejor Actriz de Reparto.
Pero sin lugar a dudas la mayor sorpresa fue el rechazo al filme de Sean Pean, “Into the Wild”. La cinta venía sumando el apoyo de la mayoría de las asociaciones de críticos y de los sindicatos, pero solo fue reconocida con dos nominaciones en rubros menores (Mejor Actor de Reparto para el veterano Hal Holbrook y Mejor Montaje). Por su parte “Michael Clayton” logró colarse en el quinteto de Mejor Película consiguiendo un total de siete nominaciones, tres de ellas para sus actores (George Clooney, Tom Wilkinson y Tilda Swinton). “Juno”, el filme independiente del año, completa el grupo de aspirantes al máximo galardón con cuatro nominaciones en total.
La Academia no está lista para Tim Burton. “Sweeney Todd”, su sanguinario musical, fue ignorado en las categorías principales, aunque Johnny Depp logró su merecida nominación. Otros filmes poco reconocidos son “American Gangster”, de Ridley Scott (la nominación a Ruby Dee debe entenderse como un reconocimiento a su trayectoria), y “3:10 to Yuma”, que cosechó solo dos nominaciones en rubros técnicos. Por su parte la película francesa del momento, “The Diving Bell and the Butterfly” logró un excelente desempeño pero no su máximo cometido: la nominación a Mejor Película (igualmente compite en 4 de las mas importantes y competitivas categorías: Mejor Director, Guión, Fotografía y Montaje).
La quíntuple nominación de “Ratatouille” y la triple candidatura de “El ultimátum de Bourne” son algunos de los más agradables aciertos del listado. Por otra parte es controvertida la nominación de “Norbit” en la categoría Mejor Maquillaje (usurpando el merecido lugar de “Sweeney Todd”) o la decisión de postular a “Los reyes de las olas” como Mejor Filme Animado por sobre “La Familia del Futuro” o incluso “Los Simpons”, “Beowulf” o “Bee movie”.
La triple nominación de Alan Menken por las canciones de “Encantada” es una de las mayores curiosidades del evento. Esto, que no deja de ser un justo reconocimiento para el mítico compositor, es un peso en contra en la carrera definitiva al Oscar (pues las fuerzas han de dividirse en tres, tal como sucedió el año pasado con “Dreamgirls”). Cate Blanchett logró la doble nominación (Mejor Actriz por “Elizabeth” y Mejor Actriz de Reparto por “I´m Not There”) al igual que el director y guionista Brad Bird (Mejor Guión y Mejor Filme Animado) y el fotógrafo Roger Deakins (por su labor en “No Country for Old men” y “El asesinato de Jesse James…”). Los hermanos Joel y Ethan Coen y Paul Thomas Anderson, por su parte, aspiran a tres premios cada uno (Mejor Dirección, Guión y Película, en su rol de productores).

"Zodiac" y "Hairspray" son algunas de las ausencias mas resonantes (Guión la primera, Vestuario, Arte y Canción la segunda). En el rubro Filme Extranjero llamó la atención la no inclusión del último trabajo del italiano Giuseppe Tornatore, "La desconocida" y de la cinta brasilera "El año que mis padres se fueron de vacaciones".
Por último, es importante destacar que el rubro actoral deparó algunas sorpresas. Las mas llamativas de todas son la inclusión de Tommy Lee Jones, como Mejor Actor por “In the Valley of Elah”, y la de Laura Linney como Mejor Actriz por “The Savages”, filme que también logró una postulación a Mejor Guión Original.
Seguramente los próximos 33 días serán pura expectativa y especulación. Lo cierto es que, tal como lo demuestra el listado definitivo de nominados, nada esta dicho en los premios Oscars. Amados y odiados con la misma intensidad, nadie puede negar su importancia, su trascendencia y, por sobre todo, su carácter democrático, pues estamos frente al jurado más grande y heterogéneo del mundo, por más que les pese a los detractores del premio.
Los ganadores se anunciaran el 24 de febrero en una ceremonia ha efectuarse en el Kodak Theatre (si la huelga de guionistas no lo impide). A continuación el listado completo de nominados.

MEJOR PELÍCULA:

"Atonement"
"Juno"
"Michael Clayton"
"No country for old men"
"There will be blood"

MEJOR DIRECTOR:

Paul Thomas Anderson, "There will be blood"
Joel Coen & Ethan Coen, "No country for old men"
Toni Gilroy, "Michaerl Clayton"
Jason Reitman, "Juno"
Julian Schnabel, "The diving bell and the butterfly"

MEJOR ACTOR:

George Clooney, "Michael Clayton"

Daniel Day – Lewis, "There will be blood"
Johnny Depp, "Sweeney Todd"
Tommy Lee Jones, "In the valley of Elah"
Viggo Mortensen, "Promesas del este"

MEJOR ACTRIZ:

Cate Blanchett, "Elizabeth: La edad de oro"
Julie Christie, "Away from her"
Marion Cotillard, "La vida en rosa"
Laura Linney, "The savages"
Ellen Page, "Juno"

MEJOR ACTOR SECUNDARIO:

Casey Afleck, "The assasination of Jesse James by the coward Robert Ford"
Javier Bardem, "No country for old men"
Hal Holbrook, "Into the wild"
Philip Seymour Hoffman, "Charlie Wilson´s war"
Tom Wilkinson, "Michael Clayton"

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA:

Cate Blanchett, "I´m not there"
Ruby Dee, "American gangster"
Saoirse Ronan, "Atonement"
Amy Ryan, "Gone baby gone"
Tilda Swinton, "Michael Clayton"

MEJOR GUIÓN ORIGINAL:

Diablo Cody, "Juno"
Tony Gilroy, "Michael Clayton"
Tamara Jenkins, "The savages"
Brad Bird, "Ratatouille"
Nancy Oliver, "Lars and the real girl"

MEJOR GUIÓN ADAPTADO:

Joel Coen y Ethan Coen, "No country for old men"
Ronald Harwood, "The diving bell and the butterfly"
Paul Thomas Anderson, "There will be blood"
Christopher Hampton, "Atonement"
Sarah Polley, "Away from her"

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN:
"Persépolis"
"Ratatouille"
"Surf´s up"

MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA:

"The counterfeiters" (AUSTRIA)
"Katyn" (POLONIA)
"12" (RUSIA)
"Beaufort" (ISRAEL)
"Mongol" (KAZAJISTÁN)

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA:

"American Gangster”
"Atonement"
"The golden compass"
"Sweeney Todd"
"There will be blood"

MEJOR FOTOGRAFÍA:

"The assasination of Jesse James by the coward Robert Ford"
"Atonement"
"The diving bell and the butterfly"
"No country for old men"
"There will be blood"

MEJOR VESTUARIO:

"Across the universe"

"Atonement"
"Elizabeth: La edad de oro"
"La vida en rosa"
"Sweeney Todd"

MEJOR MONTAJE:

"El ultimátum de Bourne"
"Into the wild"
"The diving bell and the butterfly"
"No country for old men"
"There will be blood"

MEJOR MAQUILLAJE:

"La vida en rosa"
"Piratas del Caribe III"
"Norbit"

MEJOR BANDA SONORA:

Dario Marianelli, "Atonement"

Alberto Iglesias, "The kite runner"

James Newton Howard, "Michael Clayton"
Michael Giacchino, "Ratatouille"
Marco Beltrami, "3.10 to Yuma"

MEJOR CANCIÓN:

Happy Working Song, "Enchanted"
So Close, "Enchanted"
That’s How You Know, "Enchanted"
Falling slowly, "Once"
Raise It Up, "August Rush"

MEJOR SONIDO:

"El ultimátum de Bourne"
"Ratatouille"
"No country for old men"
"3.10 to Yuma"
"Transformers"

MEJOR MONTAJE DE SONIDO:

"El ultimátum de Bourne"
"Ratatouille"
"No country for old men"
"There will be blood"
"Transformers"

MEJORES EFECTOS VISUALES:

"The golden compass"
"Piratas del Caribe III"
"Transformers"

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL:

"No end in sight"
"Operation homecoming: Writing the Wartime Experiences"
"Sicko"
"Taxi to the dark side"
"War/Dance"

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL:

"Freeheld"
"La corona"
"Salim baba"
"Sari´s mother"

MEJOR CORTOMETRAJE FICCIONAL:

"At night"
"The substitute"
"The Mozart of pickpockets"
"Tanghi Argentini"
"The tonto woman"

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN:

"I met the Walrus"
"Madame Tutli - Pupli"
"Even pigeons go to heaven"
"My love"
"Peter & The Wolf"

OSCARS: ÚLTIMAS PREDICCIONES.

2008-01-20T15:47:00.000-02:00

A pocas horas del pronunciamiento de los nominados a los Premios Oscars, El Cuarto de Car Lost les ofrece un completo análisis sobre los posibles candidatos. A continuación mis predicciones en los principales rubros:

MEJOR PELÍCULA:
“No country for old men”: El nuevo filme de los hermanos Coen es la candidata mas fuerte. Ha conseguido un enorme apoyo de las distintas asociaciones de críticos, reconocimiento en los sindicatos de Actores, Directores, Guionistas y Productores y dos Globos de Oro (Mejor Guión y Mejor Actor de Reparto). Todas las quinielas indican que la nominación a Mejor Película está asegurada. Los Coen han sido mimados por la Academia en el pasado, pero nada está dicho aún.
“There will be blood”: El filme de Paul Thomas Anderson es otra de las grandes favoritas. Al igual que la cinta de los Cohen ha sido ampliamente reconocida por los críticos y los sindicatos (aunque en menor medida). La deslumbrante actuación de Daniel Day Lewis (quien ganó el Globo de Oro a Mejor Actor) podría ser el vehículo para la nominación definitiva, pero el filme también cuenta con otras cartas a su favor: una historia de poder anclada en el lejano oeste y una producción del gusto de la Academia. Su nominación también esta descontada.
“Juno”: Todos los años la Academia decide reconocer un filme independiente (recordemos a “Little Miss Sunshine” o “Sideways”); y el 2008 será el turno de “Juno”. A pesar de no haber conseguido el Globo de Oro en su categoría, la película tiene grandes chances. El exitoso desempeño de taquilla (mas de 80 millones de dólares en recaudación, convirtiéndose en el filme de mayor rendimiento entre las posibles candidatas), las excelentes críticas y el reconocimiento de los sindicatos de Guionistas y Productores hacen pensar en una nominación.
“Atonement”: Al momento de comenzar la carrera hacia los Oscars, el filme de Joe Wright se perfilaba como el mas fuerte de todos. “Atonement” reunía cada uno de los condimentos necesarios para lograr el Oscar: superproducción inglesa de época sobre amores sufridos. Pero de la noche a la mañana el filme recibió el espaldarazo de la mayoría de las asociaciones de críticos y de los sindicatos de Actores, Directores, Productores y Guionistas (quienes la ignoraron rotundamente). El inesperado triunfo en la ceremonia de los Globos de Oro (Mejor Película Dramática) y las 14 nominaciones a los premios BAFTA significaron un soplo de vida. A pesar de todo “Atonement” tiene lo necesario para que los miembros de la Academia la elijan y sume la mayor cantidad de nominaciones.
“Into the wild”: A muchos les parecerá una sorpresa esta elección, pero la Academia de tanto en tanto gusta nominar películas pseudo optimistas. Mas aún si están basada en una historia real y mucho mas si están dirigida por un actor. Esta es el arma más fuerte con la que cuenta el filme de Sean Pean que ha recibido sendas nominaciones en los sindicatos de Actores, Directores y Guionistas.

La Academia todavía no está lista para obras de la talla de “Sweeney Todd”, por lo que seguramente el filme del genial Tim Burton no competirá por el máximo galardón (aunque si en la mayoría de las categorías técnicas). El filme francés “The diving bell and the butterfly” ha sido ampliamente reconocido por la crítica y las asociaciones de Directores, Guionistas y Productores. Pero a pesar de ello, no creo francamente que la Academia le ceda un lugar en el máximo rubro a un filme extranjero. “Michael Clayton” es otro de los filmes que ha recibido gran apoyo por parte de los sindicatos y la crítica, pero no es un producto del gusto de la Academia.

MEJOR DIRECTOR:
Los Hermanos Coen, “No country for old men”
Paul Thomas Anderson, “There will be blood”
Julian Schnabel, “The diving bell and the Butterfly”
Tim Burton, “Sweeney Todd”
Sean Pean, “Into the wild”

MEJOR ACTOR:
Jhonny Depp, “Sweeney Todd”
Daniel Day Lewis, “There will be blood”
Viggo Mortensen, “Eastern Promises”
George Cloonney, “Michael Clayton”
Frank Langella, “Starting out in the evening”

MEJOR ACTRIZ:
Julie Christie, “Away from her”
Marion Cotillard, “La vie en rose”
Ellen Page, “Juno”
Keira Knightly, “Atonement”
Angelina Jolie, “A mighty heart”

MEJOR ACTOR DE REPARTO:
Cassey Affleck, “El asesinato de Jesse James…”
Javier Bardem, “No country for old men”
Paul Dano, “Thre will be blood”
Tom Wilkinson, “Michael Clayton”
Philip Seymour Hoffman, “Charly Wilson War”

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO:
Cate Blanchet, “I´m not there”
Amy Ryan, “Gone baby gone”
Tilda Swinton, “Michael Clayton”
Saoirse Ronan, “Atonement”
Kelly MacDonald, “No contry for old men”

MEJOR GUIÓN ORIGINAL:
“Juno”
“Michael Clayton”
“The Savages”
“Before the Devil knows you´re dead”
“Eastern Promises”

MEJOR GUIÓN ADAPTADO:
“No country for old men”
“There will be blood”
“The diving bell and the Butterfly”
“Atonemet”
“Into the wild”

MEJOR FILME ANIMADO:
“Ratatouille”
“Persepolis”
“Los Simpsons”

Las nominaciones definitivas se darán a conocer el próximo martes 22 de enero en el horario aproximado de las 8 hs Argentina.

MARCHE UN DOS POR UNO!!!

2008-01-16T14:48:00.000-02:00

Parece ser que la Warner Bros está decidida a extraerle la última gota a la saga del joven mago Harry Potter. Durante las últimas horas trascendió que los productores habrían resuelto dividir el capítulo final, "Harry Potter and The Deathly Hollows", en dos partes. Según sus propios comentarios esto respondería sólo a fines artísticos, pues no quieren decepcionar a los fanáticos dejando fuera del filme subtramas importantes. Pero esto parece mas una jugada comercial (muy bien pensada, por cierto) que un acto de bondad. Permítanme ser mal pensado; la razón expuesta es poco convincente, mas aún si tenemos en cuenta que “Harry Potter y La orden del Fénix”, el libro mas extenso de la saga, se resolvió en el filme mas estrecho de la franquicia. Todo parece indicar que los 900 millones de dólares promedio que recaudan los filmes de Harry Potter son mucho mas tentadores que cualquier pretención artística. Sobretodo si se pueden conseguir a mitad de precio.

El plan inicial contemplaba que el estreno del capítulo final de Harry Potter seria en 2010. Todo está por verse.

SE ENTREGARON LOS GLOBOS DE ORO.

2008-01-14T16:05:00.000-02:00

Anoche, sin el brillo y la expectativa acostumbrada, se dieron a conocer los ganadores de los Premios Globo de Oro. La ceremonia consistió en una simple conferencia de prensa ya que, debido a la huelga del sindicato de guionistas y el apoyo de los actores a la misma, la cadena NBC y la Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood decidieron cancelar la tradicional gala por miedo al boicot.
Grandes sorpresas y algunas decepciones fueron el común denominador de la noche. “Atonemet”, a pesar de haber ganado el máximo galardón, se fue con un sabor amargo pues perdió 5 de los 7 premios a los que aspiraba. “No Country for Old Men”, de los hermanos Coen, se adueñó de las categorías Mejor Guión y Mejor Actor de Reparto para el español Javier Bardem que, luego de tres nominaciones, consiguió el preciado Globo Dorado. “Sweeney Todd” sorprendió al ganarle la contienda a la cinta independiente “Juno”, favorita en el apartado comedia, que se fue con las manos vacías. El segundo premio para la cinta de Tim Burton recayó en manos de Johnny Depp. Pero sin lugar a dudas la gran sorpresa llegó de la mano del filme francés “The Diving Bell And The Butterfly” que se alzó con el premio a mejor dirección, llegando así con fuerza para los próximos Premios Oscars.
En el apartado televisión las series “Damages” y “Longford” acapararon la mayoría de los premios. Las series “Extras” y “Mad Men” fueron las grandes sorpresas al ganar los rubros de Mejor Serie Comedia y Mejor Actor en Serie Drama respectivamente. Lamentablemente la serie estreno “Pushing Daisies” no pudo contra el programa de HBO.
A continuación la lista completa de los ganadores:

MEJOR FILME DRAMA: Atonemet

MEJOR ACTRIZ EN FILME DRAMA: Julie Christie – Away From Her

MEJOR ACTOR EN FILME DRAMA: Daniel Day-Lewis – There Will Be Blood

MEJOR FILME COMEDIA O MUSICAL: Sweeney Todd

MEJOR ACTRIZ EN FILME COMEDIA O MUSICAL: Marion Cotillard – La Vie En Rose

MEJOR ACTOR EN FILME COMEDIA O MUSICAL: Johnny Depp – Sweeney Todd

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: Cate Blanchett – I'm Not There

MEJOR ACTOR DE REPARTO: Javier Bardem – No Country For Old Men

MEJOR FILME ANIMADO: Ratatouille

MEJOR FILME HABLADO EN LENGUA NO INGLESA: The Diving Bell And The Butterfly (France, United States)

MEJOR DIRECCIÓN: Julian Schnabel – The Diving Bell And The Butterfly

MEJOR GUIÓN: No Country For Old Men, Written by Ethan Coen, Joel Coen

MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL: Atonement, de D. Marianelli

MEJOR TEMA MUSICAL ORIGINAL: "Guaranteed" – Into The Wild

MEJOR SERIE DRAMA: Damages

MEJOR ACTRIZ EN SERIE DRAMA: Glenn Close – Damages
MEJOR ACTOR EN SERIE DRAMA: Jon Hamm – Mad Men

MEJOR SERIE COMEDIA O MUSICAL: Extras

MEJOR ACTRIZ EN SERIE COMEDIA O MUSICAL: Tina Fey – 30 Rock

MEJOR ACTOR EN SERIE COMEDIA O MUSICAL: David Duchovny – Californication

MEJOR MINISERIE O PELÍCULA HECHA PARA TELEVISIÓN: Longford

MEJOR ACTRIZ EN MINISERIE O PELÍCULA HECHA PARA TV: Queen Latifah – Life Support

MEJOR ACTOR EN MINISERIE O PELÍCULA HECHA PARA TV: Jim Broadbent – Longford

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO EN TV: Samantha Morton – Longford

MEJOR ACTOR DE REPARTO EN TV: Jeremy Piven – Entourage

¡AQUÍ SI HAY QUIEN VIVA!

2008-01-12T12:33:00.000-02:00

“AQUÍ NO HAY QUIEN VIVA” (Argentina 2008). Dirección: Grendel Resquin. Intérpretes: Eduardo Blanco, Daniel Hendler, Julieta Ortega, Lidia Catalano, Norma Pons, Mabel Pessen y elenco. Guión: Sebastián Rotstein y Alberto Rojas Apel. Producción: Andrea Tuozzo.
Todos los martes y jueves a las 22:15 por Telefé.
Calificación: CAR LOST

El jueves debutó en la pantalla de Telefé la versión local de la comedia española “Aquí no hay quien viva” dejando en claro que la flaqueza de los últimos ratings veraniegos no son responsabilidad del extremo calor, sino que responden a la calidad de los productos presentados. Pues la serie semanal del canal de San Cristóbal atrajo a más de 2 millones de espectadores en su capítulo inaugural, desacreditando así una teoría que enarbolaba más de un experto. Pero lo realmente importante es que estamos frente a un buen producto, y eso es algo que la magra televisión actual agradece mucho (y más aún los espectadores).
La premisa planteada por “Aquí no hay quien viva” es sencilla y conocida: un grupo de vecinos que convive en un edificio se ve involucrado en un sin fin de conflictos domésticos de la mas variada índole. Lo interesante, pues, reside en la forma en que estos personajes se relacionan dando lugar al desarrollo de un inteligente, ágil y entretenido guión que no deja lugar al aburrimiento.
Más allá que el programa plantea una variedad de perfiles caricaturescos de la sociedad (el vago, el chanta, la linda, la fea, las chusmas) estamos frente a personajes reales, con los que el espectador ha de sentirse identificado. Los desopilantes y ocurrentes diálogos han sido encomendados a un grupo de excelentes actores que aportan la dosis justa de frescura, espontaneidad e histrionismo a sus criaturas. Se destaca la impecable labor de Daniel Hendler, quien interpreta al encargado del edificio, y de Jorge Suárez, Eduardo Blanco y Nahuel Pérez Biscayart (encarnando un empleado de videoclub experto en recomendar películas), integrantes de un homogéneo elenco compuesto por los mas importantes comediantes que ha dado el cine, la TV y el teatro argentino.
¿Errores para destacar? Si. Evidentemente es hora que la productora de ficción dirigida por Villarroel le dedique un poco mas de esmero al confeccionado de las escenografías (de cartón) y otro tanto de atención al diseño lumínico (aburrido). Aunque el vertiginoso ritmo que propone el guión y el lúcido desempeño actoral hacen que el espectador no tenga realmente tiempo para detenerse en ello.
“Aquí no hay quien viva” es una serie para no dejar de ver y disfrutar con ansias. Sin lugar a dudas es la bocanada de aire fresco que esperábamos para hacerle frente a este asfixiante verano televisivo.
PERLITA 1: Con ese portero la Pichu, amiga personal, no dudaría en mudarse de edificio!
PERLITA 2: Seguramente Cocó, amiga personal también, ha de sentirse identificada con el personaje del empleado de videoclub!

LO QUE QUEDÓ EN EL TINTERO: CINE DE ACCIÓN DEL 2007.

2008-01-10T17:43:00.000-02:00

“THE BOURNE ULTIMATUM” (EE.UU. 2007) Duración: 111 minutos. Dirección: Paul Greengrass. Intérpretes: Matt Damon, Julia Stiles, Joan Allen, David Strathairn, Paddy Considine, Scott Glenn. Guión: Tony Gilroy, Scott Z. Burns y George Nolfi. Producción: Frank Marshall, Patrick Crowley y Paul L. Sandberg. Música: John Powell. Fotografía: Oliver Wood. Montaje: Christopher Rouse. Diseño de producción: Peter Wenham. Vestuario: Shay Cunliffe.
Calificación: CAR LOST

La saga de Jason Bourne ha sido una de las mejores cosas que le ha sucedido al cine en los últimos años. Quizás suene exagerado para algunos, pero los filmes protagonizados por Matt Damon reivindican al cine de acción como espacio digno para el desarrollo de filmes inteligentes, entretenidos y demandantes.
Es interesante ver como, contrario a la lógica, la trilogía del agente secreto que pierde la memoria fue en ascenso, superándose en cada capítulo tanto en mística, realismo, intensidad y maestría realizativa. Mucho de ello se debe a la incursión del director inglés Paul Greengrass que dotó a los filmes de personalidad y autonomía. En definitiva, pudo trasladar la categoría de cine de autor a un ámbito alejado de ello. Y probó la que convivencia puede llegar a ser sana y productiva.

LA BRÚJULA DORADA.

2008-01-08T14:56:00.000-02:00

“THE GOLDEN COMPASS” (EE.UU. 2007) Duración: 113 minutos. Dirección: Chris Weitz. Intérpretes: Nicole Kidman, Daniel Craig, Dakota Blue Richards, Sam Elliott, Eva Green, Christopher Lee y las voces de Ian McKellen, Ian McShane y Freddie Highmore. Guión: Cris Weitz, basado en la novela de Philip Pullman. Fotografía: Henry Braham. Música: Alexandre Desplat. Diseño de Producción: Dennis Gassner. Edición: Peter Honess, Anne V. Coates y Kevin Tent.
Calificación: CAR LOST

Meses antes de su estreno tenía la fuerte convicción que “La Brújula Dorada” iba a ser todo aquello que “Las Crónicas de Narnia” no fue. Paradójicamente los puntos en común entre ambos filmes van mas allá del mero hecho de tratarse de adaptaciones de best sellers destinados a un público juvenil con ansias de épica maravillosa.
Evidentemente, la materia prima de la que se sirvió Chris Weir (la novela “La Materia Oscura” del británico Philip Pullman) es altamente superior a la provista por C. S. Lewis. El filme deja percibir un planteo argumental interesante, adulto y complejo acerca del alma, la condición humana y el poder de la mente en relación a uno y los demás. Pero dicha profundidad filosófica no fue garantía para que el filme se convirtiese en aquello que aspiraba ser: una franquicia cinematográfica altamente redituable y del tenor artístico de “El Señor de los Anillos” (algo que vienen intentando sin éxito todos los estudios de Hollywood desde el estreno de “El Retorno del Rey”).
La causa de dicho fracaso puede encontrarse en la obvia ansiedad de los realizadores por el futuro de la saga y la tonta despreocupación por el presente del filme. Solo así puede juzgarse la intervención de las famélicas tijeras al momento del montaje, las cuales obscenamente mutilaron la cinta al punto de negarle un desenlace íntegro y decente (según ha trascendido esto responde a que dicha conclusión servirá como comienzo y nexo de la segunda parte de la saga, pero ¿tendremos oportunidad de ver dicha continuación?).
Pero a “La Brújula Dorada” no solo le falta un final. A la propuesta también le hurtaron su corazón (quizás nunca lo tuvo o jamás se lo dieron). El sugestivo planteo argumental acerca de mundos paralelos unidos por una sustancia mística y negados por una inquisidora institución (que por miedo a la sublevación de su pueblo secuestra niños) no encuentra el lugar propicio donde desarrollarse con plenitud. El filme no alcanza el nivel de profundidad necesario para exponer con crudeza la metáfora sobre libertad de expresión y censura manipuladora. Pues el libro ha sido condensado de tal forma que pueda ser digerible y apto para todos (la indefinición del público es un aspecto que juega en contra del filme). La elección de un responsable con mayor experiencia en este tipo de empresa podría haber encaminado mejor las cosas.
Desde el punto de vista técnico se destaca el concepto artístico propuesto (una estética retro futurista que se mezcla con la clásica épica nórdica) y el notable desarrollo de los efectos visuales, en especial la integración de estos con la acción en vivo.
A pesar de todo “La Brújula Dorada” es un producto correcto y prolijo, que entretiene y cumple. Y donde lo mas destacado (ante la nula expresividad de su protagonista Dakota Blue Richard, cuya performance actoral dista mucho de la otra Dakota famosa del cine) es la majestuosa actuación de Nicole Kidman que una vez mas carga sobre sus hombros un filme titánico al que, básicamente, le falta una chispa de vida.

TRAILER RECOMENDADO DE LA SEMANA: "MISS PETTIGREW LIVES FOR A DAY".

2008-01-03T22:49:00.000-02:00

Comenzamos el 2008 dando a conocer el trailer de la comedia "Miss Pettigrew lives for a day". Protagonizado por Frances McDormand y Amy Adams (actriz de gran talento y reciente reconocimiento a quien pronto veremos en "Encantada") el filme tiene previsto su estreno en marzo del 2008. Lee Pace (protagonista de la serie "Pushing Daisies") tambien es parte del elenco y Bharat Nallun quien dirige. A disfrutar del avance cinematográfico de este filme que trata sobre el derecho de toda mujer a tener su día!

A DIEZ AÑOS...

2007-12-28T21:21:00.000-03:00

Hoy se cumplen 10 años de aquel maravilloso día en que comenzó a hacerse realidad un sueño que parecía imposible, distante, inmaterial... Una canción decía: "Remember... Dreams come true." Y así fue, el sueño se volvió realidad. Simplemente quería recordarlo junto a ustedes.

¡Estrella radiante, estrella brillante! La primera que veo ésta noche. ¡Cuanto deseo poder hacerlo, soñar tenerlo! Tengo un deseo, ¡Y lo pediré hoy mismo! ¡Haremos realidad un sueño, y lo haremos como verdaderos soñadores! Así todos nuestros sueños... (cada uno de ellos) se harán realidad.

AVANT PREMIERE DE "NOCHE DE PAZ (NOCHE DE AMOR)".

2007-12-24T19:08:00.000-03:00

El miércoles 19 de diciembre, en las instalaciones del Complejo de Cines Gran Rex, se llevó a cabo la Avant Premiere del cortometraje cordobés “Noche de Paz (Noche de Amor)”. El filme, en clave de comedia dramática, cuenta los conflictos que vive una familia típica de nuestro país durante la cena de Noche Buena.
La proyección comenzó pasadas las 21: 30 horas a sala llena (asistieron mas de 145 personas). La respuesta del público fue increíble: la platea no paraba de reír y el aplauso final fue muy cálido.
Asistieron los protagonistas del filme: Maura Sajeva, Ariel Merlo, Tita Duprat, Ana Petit, Patricia Lescano, Myrna Brandán y Ezequiel Domínguez, y sus realizadores: Emiliano Brasca, María Constanza Curatitoli, Pichu Tomsic, Carlos Ignacio Trioni y Juan Carlos Wuerich, todos ellos junto a sus familiares y amigos. Estaba prevista la ausencia de la actriz Valeria Urigu, que se encuentra de viaje, pero igualmente envió sus saludos y felicitaciones.
Desde este espacio los realizadores del filme quieren agradecer una vez mas a todos los que hicieron posible la realización del mismo y al público que asistió al estreno.

FELIZ NAVIDAD!!!

2007-12-24T00:01:00.000-03:00

Este post simplemente es para desearles muy Feliz Navidad a todos. Y como no podía ser de otra manera lo hago de la manera cinematográfica: una foto de "El extraño mundo de Jack" (The Nightmare Before Christmas), filme producto de la imaginación del genial Tim Burton.

Deseo de corazón que pasen una linda Noche Buena junto a todos sus seres queridos y que esta fecha tan significativa nos ayude a todos a reflexionar e intentar cambiar un poco aquellas cosas que estan mal. Saludos a todos y gracias por visitarme!

AVANCE DE LA 4TA TEMPORADA DE LOST.

2007-12-21T14:36:00.000-03:00

La cadena de televisión ABC comenzó a emitir los avances promocionales de la 4ta temporada de LOST, la serie que se convirtió en un suceso internacional sin precedentes. Millones de fanáticos esperan ansiosos este regreso, pues significa el comienzo del final tal como lo anuncia el nombre del capítulo inaugural de la temporada: "The Beginning of the End".

LOST contará con tres temporadas mas de 16 capítulos cada una (incluida esta a emitir), finalizando la serie en el 2010. Pero el plan para este año dudosamente pueda concretarse debido a la huelga sindical que llevan adelante los guionistas.

Por lo pronto la cita será el jueves 31 de enero de 2008, estrenando LOST nuevo día y horario. A continuación uno de los citados trailers:

Y LOS NOMINADO SON...

2007-12-13T20:53:00.000-03:00

Hoy se dieron a conocer las nominaciones de la 65º Entrega de los Premios Golden Globes, considerados por muchos especialistas como la antesala de los Oscars. Entre los datos más destacados están las 7 nominaciones obtenidas por la gran favorita “Atonement” (Keira Knightley incluida como mejor actriz), las 4 de “No Country for Old Men” (que significa el regreso con gloria de los Coen) y “Sweeney Todd” (con la correspondiente distinción para el genial Tim Burton) y otras 3 para “Hairspray”. El filme independiente “Juno” cumplió con los pronósticos y consiguió 3 nominaciones también. Pero la gran sorpresa fue la excelente performance de las cintas “Eastern Promises” de David Cronenberg, “American Gangster” de Ridley Scott, “The Diving Bell And The Butterfly”, que cosecharon 3 nominaciones cada una, “Michael Clayton” 4, y “Charlie Wilson's War” de Mike Nichols 5. El desconcierto radica en que dichos filmes no eran firmes candidatos a la nominación, como si lo era “There will be blood” que obtuvo tan solo dos candidaturas y “Gone Baby Gone” (el filme de Ben Affleck), otra favorita, una.
En el rubro televisión las extrañezas se encuentran por el lado de “The Soprano" y “Ugly Betty” (que lograron solo 1 candidatura para sus actrices), y las ausencias de “Lost” y “Amas de casas desesperadas”. Afortunadamente la serie estreno “Pushing Daisies” consiguió 3 distinciones en el rubro comedia y “Damages” logró 4 en el apartado drama, convirtiéndose así en la serie de TV mas nominada junto a la miniserie “Longford”.
La ceremonia de entrega se llevará a cabo el 13 de enero en The Beverly Hilton Hotel y en la misma se condecorará a Steven Spielberg con el tradicional premio Cecil B. DeMille.
A continuación la lista completa y detallada de los nominados.

MEJOR FILME DRAMA:
- American Gangster.
- Atonemet.
- Eastern Promises.
- The Great Debaters.
- Michael Clayton.
- No Country for Old Men.
- The Will Be Blood.

MEJOR ACTRIZ EN FILME DRAMA:
- Cate Blanchett – Elizabeth: The Golden Age.
- Julie Christie – Away From Her.
- Jodie Foster – The Brave One.
- Angelina Jolie – A Mighty Heart.
- Keira Knightley – Atonement.

MEJOR ACTOR EN FILME DRAMA:
- George Clooney – Michael Clayton.
- Daniel Day-Lewis – There Will Be Blood.
- James McAvoy – Atonement.
- Viggo Mortensen – Eastern Promises.
- Denzel Washington – American Gangster.

MEJOR FILME COMEDIA O MUSICAL:
- Across The Universe.
- Charlie Wilson's War.
- Hairspray.
- Juno.
- Sweeney Todd.

MEJOR ACTRIZ EN FILME COMEDIA O MUSICAL:
- Amy Adams – Enchanted.
- Nikki Blonsky – Hairspray.
- Helena Bonham Carter – Sweeney Todd.
- Marion Cotillard – La Vie En Rose.
- Ellen Page – Juno.

MEJOR ACTOR EN FILME COMEDIA O MUSICAL:
- Johnny Depp – Sweeney Todd.
- Ryan Gosling – Lars and the Real Girl.
- Tom Hanks – Charlie Wilson's War.
- Philip Seymour Hoffman – The Savages.
- John C. Reilly – Walk Hard: The Dewey Cox Story.

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO:
- Cate Blanchett – I'm Not There.
- Julia Roberts – Charlie Wilson's War.
- Saoirse Ronan – Atonement.
- Amy Ryan – Gone Baby Gone.
- Tilda Swinton – Michael Clayton.

MEJOR ACTOR DE REPARTO:
- Casey Affleck – The Assassination Of Jesse James By The Coward Robert Ford.
- Javier Bardem – No Country For Old Men.
- Philip Seymour Hoffman – Charlie Wilson's War.
- John Travolta – Hairspray.
- Tom Wilkinson – Michael Clayton.

MEJOR FILME ANIMADO:
- Bee Movie.
- Ratatouille.
- The Simpsons Movie.

MEJOR FILME HABLADO EN LENGUA NO INGLESA:
- 4 Months, 3 Weeks And 2 Days (Romania).
- The Diving Bell And The Butterfly (France, United States).
- The Kite Runner (United States).
- Lust, Caution (Taiwan).
- Persepolis (France).

MEJOR DIRECCIÓN:
- Tim Burton – Sweeney Todd.
- Ethan Coen, Joel Coen – No Country For Old Men.
- Julian Schnabel – The Diving Bell And The Butterfly.
- Ridley Scott – American Gangster.
- Joe Wright – Atonement.

MEJOR GUIÓN:
- Atonement, Written by Christopher Hampton.
- Charlie Wilson's War, Written by Aaron Sorkin.
- The Diving Bell And The Butterfly, Written by Ronald Harwood.
- Juno, Written by Diablo Cody.
- No Country For Old Men, Written by Ethan Coen, Joel Coen.

MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL:
- Grace Is Gone, de C. Eastwood.
- The Kite Runner, de A. Iglesias.
- Atonement, de D. Marianelli.
- Eastern Promises, de H. Shore.
- Into The Wild, de Vedder, Brook, King.

MEJOR TEMA MUSICAL ORIGINAL:
- "Despedida" – Love In The Time Of Cholera.
- "Grace Is Gone" – Grace Is Gone.
- "Guaranteed" – Into The Wild.
- "That's How You Know" – Enchanted.
- "Walk Hard" – Walk Hard: The Dewey Cox Story.

MEJOR SERIE DRAMA:
- Big Love.
- Damages.
- Grey's Anatomy.
- House.
- Mad Men.
- The Tudors.

MEJOR ACTRIZ EN SERIE DRAMA:
- Patricia Arquette – Medium.
- Glenn Close – Damages.
- Minnie Driver – The Riches.
- Edie Falco – The Sopranos.
- Sally Field – Brothers & Sisters.
- Holly Hunter – Saving Grace.
- Kyra Sedgwick – The Closer.

MEJOR ACTOR EN SERIE DRAMA:
- Michael C. Hall – Dexter.
- Jon Hamm – Mad Men.
- Hugh Laurie – House.
- Bill Paxton – Big Love.
- Jonathan Rhys Meyers – The Tudors.

MEJOR SERIE COMEDIA O MUSICAL:
- 30 Rock.
- Californication.
- Entourage.
- Extras.
- Pushing Daisies.

MEJOR ACTRIZ EN SERIE COMEDIA O MUSICAL:
- Christina Applegate – Samantha Who?.
- America Ferrera – Ugly Betty.
- Tina Fey – 30 Rock.
- Anna Friel – Pushing Daisies.
- Mary-Louise Parker – Weeds.

MEJOR ACTOR EN SERIE COMEDIA O MUSICAL:
- Alec Baldwin – 30 Rock.
- Steve Carell – The Office.
- David Duchovny – Californication.
- Ricky Gervais – Extras.
- Lee Pace – Pushing Daisies.

MEJOR MINISERIE O PELÍCULA HECHA PARA TELEVISIÓN:
- Bury My Heart At Wounded Knee.
- The Company.
- Five Days.
- Longford.
- The State Within.

MEJOR ACTRIZ EN MINISERIE O PELÍCULA HECHA PARA TV:
- Bryce Dallas Howard – As You Like It.
- Queen Latifah – Life Support.
- Debra Messing – The Starter Wife.
- Sissy Spacek – Pictures Of Hollis Woods.
- Ruth Wilson – Jane Eyre.

MEJOR ACTOR EN MINISERIE O PELÍCULA HECHA PARA TV:
- Adam Beach – Bury My Heart At Wounded Knee.
- Ernest Borgnine – A Grandpa For Christmas.
- Jim Broadbent – Longford.
- Jason Isaacs – The State Within.
- James Nesbitt – Jekyll.

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO EN TV:
- Rose Byrne – Damages.
- Rachel Griffiths – Brothers & Sisters.
- Katherine Heigl – Grey's Anatomy.
- Samantha Morton – Longford.
- Anna Paquin – Bury My Heart At Wounded Knee.
- Jaime Pressly – My Name Is Earl.

MEJOR ACTOR DE REPARTO EN TV:
- Ted Danson – Damages.
- Kevin Dillon – Entourage.
- Jeremy Piven – Entourage.
- Andy Serkis – Longford.
- William Shatner – Boston Legal.
- Donald Sutherland – Dirty Sexy Money.

TRAILER RECOMENDADO DE LA SEMANA: "JUMPER".

2007-12-11T11:53:00.000-03:00

En febrero llega a la salas de cine de todo el mundo "Jumper" un nuevo filme de acción y ciencia ficción dirigido por Doug Liman (responable de "The Bourne Identity" y "Sr. y Sra. Smith") y protagonizado por Hayden Christensen, Samuel L. Jackson, Diane Lane y Jamie Bell.

PÓSTER OFICIAL DE "NOCHE DE PAZ (NOCHE DE AMOR)".

2007-12-09T16:12:00.000-03:00

Ya está entre nosotros el póster oficial del cortometraje "Noche de Paz (Noche de Amor)", una realización audiovisual de Constanza Curatitoli, Emiliano Brasca, María "Pichu" Tomsic, Carlos Ignacio Trioni y Juan Carlos Wuerich.

El 19 de diciembre del corriente año se llevará a cabo la avant premiere del mismo. Están todos invitados. La cita es a las 21 hs. en el complejo Cine Gran Rex, Sala 8 y 1/2.

El diseño es de Juan Carlos Wuerich. Le agradecemos su colaboración con este material para El Cuarto de CarLost.

HABLEMOS DE CORTOMETRAJES...

2007-12-08T20:58:00.000-03:00

El pasado 28 de noviembre se llevó a cabo en la Sala de las Américas del Pabellón Argentina la muestra anual de cortometrajes de la Cátedra Realización Cinematográfica del Departamento de Cine y TV de la UNC. Se proyectaron los siguientes filmes: “Ceremonias de etiqueta redonda”, “Andenes”, “Katabasis”, “25550 días de ida y vuelta”, “Abuela”, “Intermitencias”, “El escenario de los trajes” y “Más allá del Mar”.

Como es costumbre luego de finalizada la proyección se procedió a la entrega de distinciones a las labores destacadas:
- Mejor Actriz: Maura Sajeva por “Más allá del Mar”
- Mejor Actor: Jorge Reyes por “Katabasis”
- Mejor Dirección de Fotografía: Valeria Galeano por “Abuela”
- Mejor Dirección de Arte: Ana Guezuraga por “Más allá del Mar”
- Mejor Dirección de Sonido: Juan Manuel Fernández por “Andenes”
- Mejor Dirección de Producción: María José Maldonado por “Más allá del Mar”
- Mejor Dirección y Guión: Matías Carrizo por “Más allá del Mar”
- Mejor Película: “Mas allá del Mar”
- Premio del Público: “Más allá del Mar”
Sin lugar a dudas la calidad (tanto técnica, narrativa y autoral) de los cortometrajes presentados fue muy buena. Se notó la preocupación de los realizadores por tratar temas nuevos (algunos de ellos pocas veces abordados en el ámbito de la carrera) con profundidad. Particularmente destaco tres cortometrajes que, desde su singularidad y originalidad, sobresalieron del el resto.
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“CEREMONIAS DE ETIQUETA REDONDA” Dirección: Youssef Hazime. Producción: María de los Ángeles Moyano. Dirección de Fotografía: Pablo Legüe. Dirección de Arte: Gisela Hirschfeld. Dirección de Sonido: Laura Perovich.

Calificación: CAR LOST
Es bueno empezar hablando del cortometraje dirigido por Youssef Hazime que, despojado de toda estructura clásica, nos exigía un compromiso intelectual muy grande. Y eso es algo que se aplaude pues el filme apunta a un fuerte ejercicio de interpretación y análisis por parte del espectador. Podemos decir, sin miedo a equivocarnos, que “Ceremonias…” es el planteo autoral mas profundo y adulto de toda la muestra. La metáfora y el diseño cíclico de la narración son los puntos más fuertes del filme, demostración fehaciente de la dedicación puesta al servicio del elaborado guión. Es destacable también la puesta de cámaras que se luce mediante una serie de planos secuencias que materializan la idea antes mencionada.
“Ceremonias de etiqueta redonda” es una propuesta arriesgada que se merece un cálido reconocimiento.
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“ANDENES” Dirección: Hernán Bracamonte. Producción: Julieta Qüesta. Dirección de Fotografía: Emanuel Audisio. Dirección de Arte y Montaje: Ezequiel Coeli Canobbio. Dirección de Sonido: Juan Manuel Fernández.

Calificación: CAR LOST
“Andenes” propone un conflicto urbano, contemporáneo, post-moderno que, a través del cuidado uso de la imagen y el sonido (articulados mediante un frenético montaje), materializa un interesante planteo estético y argumental. Definido como una fábula moderna sobre la soledad, la desesperación y el desamor, “Andenes” es un trabajo prolijo cuya unidad técnica, narrativa e interpretativa lo transforman en un filme destacado y a tener en cuenta.
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“MÁS ALLÁ DEL MAR” Dirección: Matías Carrizo. Producción: María José Maldonado. Dirección de Fotografía: Valeria Tochi. Dirección de Arte: Ana Guezuraga. Dirección de Sonido: Tomás Carranza.

Calificación: CAR LOST
“Más allá del Mar” encuentra su mayor riqueza en la simpleza de su historia y el efecto que se desprende de la misma. Los realizadores desplegaron con destreza un sin fin de recursos visuales y sonoros en pos de un planteo estético enmarcado dentro de la fantasía. Pero lo más importante es que lo hicieron sin descuidar la narración y la emoción, y bajo la fuerte convicción de contar un cuento distinto a los que estamos acostumbrados a ver en el ámbito académico. La jugada no falló y el resultado es más que satisfactorio: Maura Sajeva conmueve con la caracterización de la criatura perdida, la fotografía expresa un inmenso caudal de poesía y la dirección de arte conduce cuidadosamente hacia la magia.
“Más allá del Mar” es un filme completo y cuidado que se destaca, sobre todo, porque expresa sentimientos verdaderos, aunque estemos frente a una historia de fantasía (para adultos, claro está).

EL REGRESO DE M. NIGHT.

2007-12-08T00:08:00.000-03:00

"The Happening" significa el regreso del director M. Night Shyamalan luego de su pelea con los estudios Disney y la desastrosa experiencia (en críticas y taquilla) que fue "Lady in the water". La nueva cinta está protagonizada por Mark Wahlberg, quien también colaboró en la escritura del guión, y su estreno mundial está previsto para el viernes 13 de junio de 2008.

M. Night es amado y odiado con la misma intensidad; pero nadie puede negar que es un maestro en la promoción de sus filmes. Del argumento sabemos poco y nada, pero el póster y la fecha de estreno son mas que sugestivas. ¿Será este el regreso con gloria del muy personal director indio? Los fanáticos de parabienes.

CON EL TÍTULO EN LA MANO...

2007-11-25T00:15:00.000-03:00

El pasado miércoles se llevó a cabo el Acto de Colación que oficialmente nos convirtió (a mis amigos Cocó y Yei Yei y a mí) en Técnicos Productores en Medios Audiovisuales. Gracias a todos aquellos que se acordaron y nos acompañaron en este momento tan especial. Felicitaciones a mis amigos y a mi!!!

TRAILER DE LA SEMANA: "QUIÉREME"

2007-11-20T14:15:00.000-03:00

"Quiéreme" es una coproducción argentina-española dirigida por Beda Docampo Feijóo, realizador argentino que vive en España desde el año 2003. El filme cuenta una dolorosa historia de pérdida y desamparo. Pancho, el protagonista, debe reencontrarse con su vida anterior, la cual ha sepultado, y hacerce cargo de una niña a la que siquiera conoce: su nieta.

El filme, que se rodó en Buenos Aires, Madrid, Sitges y Alicante, está protagonizado por Darío Grandinetti, Ariadna Gil, Jorge Marrale, Agustina Lecouna, Juan Echanove, Luis Brandoni y la niña Cristina Valdivieso.

FESTEJO DE MI CUMPLE NÚMERO 23!!!

2007-11-19T23:59:00.000-03:00

El sábado festejé mi cumpleaños número 23 (a pesar que algunos pensaban que eran solo 19 añitos, jajaja) en casa junto a mi familia y mis amigos. La verdad es que todo estuvo muy lindo, con rica comida y muy buena música a cargo de DJ Juampy. Pero sin lugar a dudas lo mas importante fue su presencia. Gracias a todos, mami, papi, hermanas, abu, tíos, primos, amigos y amigas, por acordarse de mi, eso me hizo sentir muy especial y no saben cuanto lo valoro, aunque a veces me cueste demostrarlo. Y a los que no pudieron venir y se acordaron, muchísimas gracias por sus llamados, mails y mensajes!!!
De regalo unas fotitos para el recuerdo!!!

UN REGALO PARA MI...

2007-11-15T13:20:00.000-03:00

Hoy es mi cumpleaños y me quise autoregalar este hermoso video. "Pushing Daisies" es una serie inigualable de la que me he enamorado profundamente. Su color, fantasía, sencillez, sentimiento genuino y magia verdadera me han transformado en un empedernido admirador suyo que espera con ansias cada jueves para iniciar la descarga de un nuevo capítulo y varios días mas para encontrar un subtítulo decente.

Kristin Chenoweth interpreta con maestría a Olive Snook, la eterna enamorada de Ned, dueño de "The Pie Hole" y del extraordinario don que da origen a la historia. Poseedora de una increíble voz y en medio de una terrible tristeza por no poder acceder al amor de su patrón, Olive interpreta "Hopelessly Devoted", el tema que hiciera famoso Olivia Newton-John en el musical "Grease". Estos pequeños detalles, y muchos otros, son los que hacen de Olive mi personaje preferido de la serie.

Disfrútenlo conmigo. ¡Y no se olviden de deshojar margaritas y pedir sus deseos!

INVASORES.

2007-11-14T20:46:00.000-03:00

“THE INVASION” (EE.UU. 2007) Duración: 97 minutos. Dirección: Oliver Hirschbiegel. Interpretación: Nicole Kidman, Daniel Craig, Jeremy Northam, Jeffrey Wright, Veronica Cartwright, Jackson Bond. Producción: Joel Silver. Fotografía: Rainer Klausmann. Diseño de Producción: Jacqueline West. Música: John Ottman. Edición: Hans Funck y Joel Negron.
Calificación: CAR LOST

Luego de las críticas lapidarias vertidas por la prensa especializada y el magro resultado en taquilla, uno esperaba lo peor de “Invasores” (“The Invasion”). Para mi sorpresa, y en contra de todos los pronósticos desalentadores, puedo decir que el filme definitivamente no es malo; aunque tampoco le alcanzan los méritos para ser más que bueno.
Esta producción de Warner Bros tiene la particularidad de ser la cuarta reversión del clásico de la literatura de ciencia ficción “The Body Snatchers” (“Los usurpadores de cuerpos”), de Jack Finney. “Invasores” trata sobre el arribo de un extraño y poderoso virus extraterrestre a la Tierra que, uno vez alojado en el cuerpo humano y durante el período de ensoñación, se apropia de cada una de las células del mismo. El microorganismo usurpa (literalmente) la entidad corporal transformando definitivamente la condición del ser humano. Las personas ya no son las de antes, a pesar de lucir físicamente como siempre e incluso recordar todos los hechos de su vida. Han perdido su esencia (aquella que incluso nos hace cometer los errores mas atroces) para dar lugar a un ejército de autómatas de comportamiento frío y mecánico que no tienen sentimientos. La catástrofe se acelera a toda velocidad. El gobierno, cuyos miembros obviamente tienen el virus en sus entrañas, provoca un contagio masivo. Pero algunos todavía resisten evitando demostrar emociones o quedarse dormidos. Paradójicamente las consecuencias de la peste intergaláctica se traducen en el cese de todos los conflictos que azotan a la humanidad: guerras, robos, asesinatos, violaciones, hambre, desigualdad. Aunque la nueva sociedad no deja de tener una amenaza: aquellos que son inmune.
El filme ha sido diseñado para que el espectador descubra la odisea de una madre (Carol Benell a cargo de Nicole Kidman) que intenta proteger, ante todas las adversidades, a su hijo quien posee el beneficio de la inmunidad. La narración, que no da respiro (curiosamente el metraje no excede los 90 minutos), encuentra en el suspenso y la tensión sostenida sus mejores momentos. “Invasores” es una carrera contra el tiempo y, sobre todo, contra el sueño; por lo tanto es una batalla que no se puede ganar. Los personajes se encuentran atrapados, no tienen salida y ante ello la resignación es la mejor opción (producto de una obscena persuasión): los personajes han de rendirse al descanso pues la transformación en última instancia no es tan mala (después de todo ya no hay guerra, hambre o crímenes).
La película halla en el montaje acelerado y alterado las herramientas apropiadas para acentuar la idea de escape, vértigo y peligro inminente (al tiempo que sirve para ocultar la superficialidad de la trama y cierta falta de cohesión entre sus elementos). Los realizadores instalaron un recurso audiovisual muy particular para apoyar dicha propuesta el cual consiste en superponer el tiempo pasado, presente y futuro, en una secesión de flashbacks y flashfowards, durante la misma serie de tomas. Los resultados son eficaces y atractivos.
Por otra parte la sólida caracterización de Nicole Kidman, sumado a su profesionalismo y presencia escénica, sostiene el desarrollo narrativo del filme al tiempo que subsana las falencias interpretativas del resto del elenco (Daniel Craig luce perdido) y disimula las costuras de un guión injustamente maltratado y contaminado por una filosofía de dudosa monta.
Pues “Invasores” tiene un planteo ideológico confuso. No se puede negar que el filme (voluntariamente o no) deja la puerta abierta al debate sobre la condición humana y el alcance de nuestra especie. Quizás la postura adoptada para abordar el tema no fue la más apropiada, pues el terror de la sociedad de EE.UU. a una invasión exterior (luego del 11-S) es algo que aún no ha sido digerido (allí podría radicar la causa del fracaso en el público). El paralelismo con la situación política de la administración Bush y la alusión constante a los conflictos bélicos en Medio Oriente son quizás los principales errores del programa. Aunque la sugerencia de la pérdida involuntaria de la esencia humana a favor de la resolución de todos los conflictos del hombre representa una premisa interesante a discutir. Nadie puede negar la preferencia de la continuación de ciertos horrores gestados por nuestra raza a la posibilidad de dejar de ser lo que somos por definición: seres autónomos y sensibles (que esto no se entienda como una apología a la involución del hombre en su concepción moral y cultural).
El final del filme es inconsistente y apresurado al mismo tiempo. El desenlace no se condice con el planteo antes propuesto (que a pesar de sus falencias y errores era interesante y atrapante) y peca de simplista al proponer un epílogo con carácter de “final feliz”. Es públicamente conocida la situación vivida por el director alemán Oliver Hirschbiegel quien tuvo que dejar inconclusa su versión de la historia pues no era del agrado de los altos mandos del estudio. Los recortes y parches de ejecutivos y directores de reemplazo son evidentes, pero afortunadamente los esbozos del director de “La caída” (las consecuencias del conflicto en el comportamiento individual y colectivo, por ejemplo) pueden apreciarse. Quizás algún día podamos ver en DVD una versión definitiva del director, que subsane los desatinos que no dejan que “Invasores” sea un producto satisfactorio y, sobre todo, completo.

ABC OPTA POR UNA TEMPORADA ABREVIADA DE LOST.

2007-11-12T15:57:00.000-03:00

El sitio www.pizquita.com publicó un interesante artículo sobre el posible destino de LOST. Lo copio a continuación.

"Llevamos días en que nos preguntábamos si la temporada 4 de Perdidos sería bien emitida en febrero como estaba previsto, o trasladada a otoño que podría extenderse al año 2009.
Pues bien, aparentemente y según cuenta E! Online nos dirigimos hacia la primera solución, la temporada amputada a la mitad de sus 16 episodios, constada así por 8 episodios ya realizados. Es lo que prevé por el momento ABC que no obra de la misma manera que FOX que escogió rechazar la emisión de la temporada 7 de 24 con el fin de emitir los 24 episodios sin interrupción.
Tú dirás "sí, pero en el caso de 24, visto su concepto, sería ridículo parar la intriga al cabo de la octava hora y de proseguir 6 meses o un año más tarde". Pues bien, para los productores de Perdidos, con su serie pasaría algo semejante. El episodio 8 de la temporada 4 podría acabarse por un importante cliffhanger que provocará una frustración terrible en los fans si deben esperar lustros para descubrir su resolución. Por supuesto, cada temporada se concluye en general por un cliffhanger, pero en el caso presente, los ocho primeros episodios estarán lejos de aportar todo lo que suponen que han de explicar en la progresión de las intrigas que marca la temporada. No es que finalizase con una gran intriga, es que los cabos sueltos se contarían por decenas.
ABC y los productores de la serie se habían puesto de acuerdo en las 3 últimas temporadas compuestas cada una de 16 episodios con una emisión sin interrupción de enero / febrero a mayo, para mantener a los telespectadores sin aliento. Por desgracia, la huelga - que sostienen los guionistas de la serie está afectando a este plan inicial. "No puedo mirar a los fans a los ojos y decirles que vamos a seguir el plan original" cuenta Lindelof, precisando que las intrigas sobre los episodios siguientes deberán sufrir algunas modificaciones si la temporada 5 debe contener 24 episodios. Además el problema no está afectando únicamente a los guiones ya que los piquetes están también paralizando las grabaciones de algunas series con lo cual todo todavía se ralentiza más, la suerte para Perdidos es que la lejanía en su caso es su ventaja. Un fin precoz la huelga (que en estos momentos no tiene pinta de que ocurra) podría por supuesto cambiar este nuevo plan. Tenemos hasta febrero para que la huelga acabe y las cosas cambien"

HOLLYWOOD EN HUELGA: ¿PELIGRA LOST?

2007-11-07T17:12:00.000-03:00

Desde el lunes pasado una importante huelga sindical, pocas veces vista antes, sacude los cimientos de la industria del cine y la televisión de Hollywood. El gremio que agrupa a los guionistas de Estados Unidos ha dado comienzo a un reclamo que tiene por objetivo reglamentar las ganancias que les corresponden en concepto de regalías provenientes de nuevos medios de difusión, tal como dvds, telefonía móvil e Internet. La lucha es justa, las negociaciones constantes, las ofertas y contraofertas muy variadas y los rumores realmente desconcertantes. Varios medios han difundido diversas noticias acerca del destino de muchas de nuestras series favoritas. Si la huelga se prolonga demasiado muchas de ellas verían abruptamente su final, otras serían canceladas o directamente postergadas.
El rol del guionista es fundamental en la producción de series televisivas tanto en la pre-producción como en el rodaje mismo (algunos se encargan de reestructurar escenas, reescribir diálogos, etc.). Es por ello que muchos programas televisivos, a pesar de contar con un stock significativo de guiones, han paralizado las grabaciones, entre los que figura la popular “Amas de Casa Desesperadas”.
Pero el caso de “Lost” es bastante particular. El mismo lunes comenzó a circular un rumor que afirmaba que debido a la huelga de guionistas la temporada 4 no vería la luz durante el período 2007-2008. La season premiere debía efectuarse el 6 de febrero de 2008, inaugurando así la emisión continuada de 16 nuevos capítulos semanales. La cuestión es que la producción cuenta solo con 7 u 8 capítulos grabados en total y así las grabaciones han sido pospuestas hasta nuevo aviso. Según los primeros trascendidos, y de persistir durante mucho tiempo la protesta sindical, la cadena ABC habría decidido postergar la salida de la serie hasta que la misma estuviese filmada por completo y por lo tanto trasladar su estreno a la temporada 2008-2009.
A pesar de ello, en un comunicado oficial la ABC dio a conocer la nueva fecha de inicio de la serie. Ya no sería el 6 de febrero, sino el 14 de ese mismo mes. Y a partir de dicha noticia comenzaron nuevas especulaciones. La cadena emitiría los primeros 8 capítulos de forma continuada y luego pausaría su salida hasta que el conflicto se resolviese y en consecuencia se retomase la escritura de guiones. Sin embargo esta alternativa no es del agrado de los creadores de la serie, los mismos que el año pasado lucharon contra la prolongada pausa de mitad de temporada y que lograron finalmente la emisión continuada y sin cortes para la 4ta temporada. Pero no contaban con esta huelga entre sus planes.
En una entrevista reciente el productor de “Lost” Carlton Cuse decía: “Nuestra preocupación en que se emitan sólo los ocho primeros episodios que ya están listos es que será como si el público hubiese leído la mitad de un libro de “Harry Potter” y fuese obligado a dejarlo de lado. Hay un pequeño juego en el final del octavo episodio, pero es como el fin del capítulo de un libro, no el final del libro. No escribimos el final del episodio previendo una huelga; lo escribimos para ser sencillamente el final del episodio 8”. Así mismo el productor de la serie afirmó que la decisión final de aplazar o no el estreno de la nueva temporada no esta en sus manos sino en la del canal.

SE VIENE LA SEGUNDA: THE X-FILES.

2007-11-05T12:50:00.000-03:00

Finalmente Gillian Anderson será de la partida y protagonizará, junto a David Duchovny, la segunda parte de la versión cinematográfica de “The X-Files”. Su participación había sido puesto en duda, pero la distribuidora 20th Century Fox confirmó la semana pasada, calmando así a millones de fanáticos, la presencia conjunta de los agentes del FBI Fox Mulder y Dana Scully.
Creada por Chris Carter, y emitida por la cadena Fox entre 1993 y 2002, la serie televisiva tuvo una acogida inmediata cosechando miles de admiradores en todo el mundo. El éxito fue tan grande que los productores decidieron que “The X-Files” debía tener su propia película. Estrenada en 1998 la cinta recaudó más de 187 millones de dólares en todo el mundo.
La segunda entrega será dirigida por el propio creador de la serie, quien también se hará cargo del guión junto a Frank Spotnitz. Los detalles sobre el argumento están guardados bajo siete llaves, pero la productora ha declarado que el filme será una “película de suspenso sobrenatural en la tradición de alguno de los capítulos más conocidos y recordados de la serie”.
Está previsto que el rodaje comience en diciembre en Vancouver (Canadá) y que el estreno se produzca el 25 de julio de 2008. ¡Fanáticos a no desesperar!

PIXAR VS. DREAMWORKS.

2007-11-04T15:29:00.000-03:00

Aprovechando el estreno en DVD de dos de las mas importantes propuestas de animación del 2007, El Cuarto de Carlost les ofrece un enfrentamiento crítico y analítico entre dichos filmes.

"RATATOUILLE" (EE.UU. 2007) Duración: 110 minutos. Guión y Dirección: Brad Bird. Codirección: Jan Pinkava. Voces (versión subtitulada): Patton Oswalt, Ian Holm, Lou Romano, Brian Dennehy, Peter Sohn, Peter O Toole, Brad Garrett y Janeane Garofalo. Fotografía: Sharon Calahan y Robert Anderson. Edición: Darren Holmes. Música: Michael Giacchino. Diseño de Producción: Harley Jessup.

Calificación: CAR LOST

Apunte 1: Que Pixar sea el mejor estudio de animación computarizada es algo que no entra en discusión (incluso le lleva varias cabezas de ventaja a todos sus rivales del rubro). La filial de Disney revalida su título con el estreno de cada uno de sus filmes, ejemplos de la extrema dedicación puesta al servicio del argumento elaborado, la animación refinada y los impresionantes avances técnicos. Y “Ratatouille”, su nuevo hito cinematográfico, no es la excepción.
Apunte 2: La historia que propone Brad Bird (director de “Los increíbles” y “El gigante de Hierro”) es sencilla e incluso ha sido contada miles de veces: un típico personaje que siendo diferente (pues posee un extraordinario pero incomprendido don para los aromas y su posterior combinación) logra, ante todas las adversidades, triunfar como chef de un restaurante de alta cocina en París. Solo que en este caso nuestro (anti)héroe es, nada más y nada menos, una ¡rata! Y en dicha característica, simple y extraordinaria a la vez, radica la riqueza y originalidad del filme, repleto de momentos de ternura y exquisito humor.
Apunte 3: A pesar de ello el filme encierra una verdadera paradoja: aquello que es la fuente de todas sus virtudes podría ser también su mayor perdición. La apuesta de Pixar fue grande, comprometida y arriesgada pues no estamos frente a una rata humanizada al estilo Mickey Mouse o Stuart Little. Remy encarna un espécimen más natural y realista de su especie, grupo animal tan vilmente difamado por todos debido a una fuerte carga cultural, social e histórica que los condena por sucios, feos y egoístas. Sin lugar a dudas esto podría haber provocado un fuerte distanciamiento en el público, una apatía total para con el protagonista. Pero la condición natural del “chefcito” no es un impedimento para que la platea se sienta identificada pues Remy carga una dosis inigualable de bondad, talento y carisma que elimina todo prejuicio existente respecto a una rata en la cocina. Como no sentir eso si incluso ¡se lava las manitos antes de realizar sus delicias!
Apunte 4: “Ratatouille” (el filme), al igual que ese sencillo pero apetitoso plato con el que comparte nombre, se propone como la excusa perfecta para el disfrute sin cuestionamientos: sin pretensiones y con intenciones francas el filme es capaz de hechizar al más duro de todos. La película encierra en su argumento ese claro y directo mensaje. Y es también un llamado de atención (encarnado en la figura del crítico de alta cocina) para todos aquellos que nos dedicamos, aunque sea modestamente, a realizar reseñas y comentarios sobre filmes. Ver cine, al igual que comer, debería ser ante todas las cosas un acto de goce y no un ejercicio examinador, frío, calculador y calificativo sobre lo visionado (o comido). Quizás lo más importante de la nueva película de Brad Bird sea esta pequeña gran lección que tenemos que aprender.
Apunte 5: El metraje es un poco extenso (incluso el director se toma un buen tiempo para adentrarse en el conflicto central), pero el conjunto de situaciones entramadas con inteligencia, así como el sentimiento genuino de los personajes y, sobre todo, la impactante situación de ver una rata convertida en un excéntrico chef, tienen el peso específico y la fuerza emocional necesaria para hacer de “Ratatouille” un filme divertido, compacto y eficaz. Destinada a convertirse en un clásico viviente de Pixar, “Ratatuille” es una película con la que chicos y grandes (en especial estos últimos) han de entretenerse, emocionarse y divertirse (mas aun si la copia es en español neutro). Un filme que no deberá faltar en la dvdteca familiar, como seguramente tampoco la apuesta del estudio para el 2008: “Wall- E”.

EDICIÓN EN DVD:
Características Especiales: Menús Interactivos, Selección de Escenas.
Audio: Español Neutro Dolby Digital 5.1, Español Argentino Dolby Digital 5.1, Inglés Dolby Digital 5.1
Subtítulos: Español e Inglés.
Imagen: Widescreen (Anamórfico) 2.35:1
Contenido Extra: Escenas eliminadas, Nuevo cortometraje de Remy y Emile: “Tu amigo la rata”, cortometraje “Lifted”.

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“SHREK TERCERO” (EE.UU. 2007) Duración: 92 minutos. Dirección: Chris Miller. Codirección: Raman Hui. Voces (versión subtitulada): Mike Myers, Cameron Diaz, Eddie Murphy, Antonio Banderas, Julie Andrews, Rupert Everett y Justin Timberlake. Guión: Jeffrey Price, Peter S. Seaman y Jon Zack. Música: Harry Gregson-Williams. Edición: Michael Andrews y Joyce Arrastia.

Calificación: CAR LOST

Apunte 1: Lo más importante acerca de “Shrek III” es que, afortunadamente, dista muchísimo de aquella penosa y desgraciada segunda parte. Y eso, sin lugar a dudas, es un gran punto a favor pues “Shrek II” fue un plagio burdo y sin sentido de su antecesora (tanto en estructura como en contenido); un filme hecho a los apurones y en busca del máximo e inmediato rédito comercial. “Shrek III”, aunque sin el brillo de la entrega inicial, es un filme que se disfruta pero, sobre todo, que no se sufre.
Apunte 2: Con “Shrek III” el espectador ha de confirmar que lo mas atractivo de la franquicia del ogro verde no esta en él. Ni en su esposa. La verdadera gracia se encuentra en los personajes secundarios. Y ya no hablamos de la contundencia cómica de Burro o del carisma del Gato con Botas, sostenes fundamentales de la saga, sino de la legión interminable de princesas, caballeros, brujas, hadas madrinas y demás criaturas de cuentos de hadas que dotan de humor irreverente y frescura a la saga; al tiempo que ponen sobre sus espaldas un argumento central poco consistente y lleno de fórmulas repetidas.
Apunte 3: Los villanos son un factor fundamental en todo cuento de hadas. “Shrek II” adolecía de uno que hiciera honor al “gran” Lord Farquaad. El Príncipe Encantador, que no pudo brillar en la segunda entrega pues los guionistas estaban empecinados en resaltar la figura con poca gracia de su madre, se convierte en su más digno sucesor. Su desenfrenada lucha por recuperar la popularidad y fama perdida lo catapulta a una posición privilegiada en esta extraña narración que encuentra en los detalles accesorios todo su encanto y divertimento.
Apunte 4: Estas y otras sobradas pruebas indican que el argumento tranquilamente puede prescindir de sus protagonistas. Lo más interesante del filme no ha de encontrarse en el conflicto marital de Shrek y Fiona, su nueva vida de padres o sus desangelados vástagos, sino en como las princesas dan batalla a un ejército de villanos con ansias de fama, la forma en que Arturo conlleva su impopularidad y poca fortuna, las despistadas locuras de Merlín o la lucha de reivindicación llevada a cabo por el Príncipe Encantador y su séquito. Tal es la fuerza de los personajes secundarios que, con pocos recursos, logran eclipsar la figura de dos personajes que supieron ser carismáticos, pero ya no.
Apunte 5: En “Shrek III” la parodia, las referencias, las citas, los guiños son mas sutiles y no tan obvios, los diálogos graciosísimos y los gags mucho mas elaborados. Solo el oído y el ojo más entrenado y atento podrán disfrutar plenamente del humor propuesto por el filme (mucho mas adulto que en entregas anteriores). Pero lamentablemente la escatología se ha convertido en la marca registrada de Dreamworks. Es una lástima que los realizadores no se hayan percatado que los momentos mas logrados del filme son aquellos que prescinden de ello.
Se habla de una cuarta entrega para los próximos años. Pero se trataría de una precuela donde no intervendrían Fiona, Gato o Burro. Si esta entrega ya ha demostrado el desgaste profundo del personaje, no quiero imaginarme el resultado de dicha empresa futura.

EDICIÓN EN DVD:
Características Especiales: Menús Interactivos, Selección de Escenas.
Sonido: Dolby Digital 5.1
Imagen: 16:9 y 1.85:1
Idiomas: Castellano e Inglés.
Subtítulos: Castellano e Inglés.
Contenido Extra: Guía de Shrek de la paternidad, Anuario de Artie en el Instituto, Divertidísimas escenas perdidas, Video Dance Burro, Dreamworks Kids: juegos y Shrek-tividades, Haz tu propio video de Shrek, La bola de cristal mágica de Merlín, y mucho mas.

EL AMOR EN TIEMPOS DE CÓLERA: TRAILER DE LA SEMANA.

2007-11-02T13:21:00.000-03:00

"El amor en tiempos de cólera" reúne dos de mis grandes pasiones: el amor por la literatura de Gabriel García Márquez y la admiración hacia el cine de Mike Newell. El filme, adaptación de la obra homónima del ganador del Premio Novel y dirigida por el realizador de "4 bodas y un funeral" y "Harry Potter y el Cáliz de Fuego", cuenta con un elenco de grandes estrellas del cine hispanoamericano: Javier Bardem, Giovanna Mezzogiorno, Catalina Sandino Moreno, John Leguizamo, Fernanda Montenegro y Bejamin Bratt (de nacionalidad estadounidense, pero de raíces latinas).
El filme relata una historia de amor imposible al mejor estilo del realismo mágico latinoamericano: a mediados del siglo XIX, un intenso y épico romance se adueña de la mágica y sensual ciudad de cartagena de Indias, cuando un hombre espera cincuenta años para conquistar a la mujer que ama incondicionalmente.
La producción del filme contó con el respaldo total del escritor colombiano, que supervisó la adaptación de su novela a cargo del ganador del Oscar por el "El Pianista", el guionista Ronald Harwood. Por otra parte, la banda sonora cuenta con un tema musical compuesto e interpretado por Sharika, una admiradora declarada de la obra de su coterráneo.
Las primeras imágenes que nos llegan a través del impactante y poético avance dejan ver un correcto traspaso del universo desarrollado por el autor; la atmósfera visual se condice con el espíritu latinoamericano, pero no sucede lo mismo con la dimensión sonora: se percibe una gran disonancia pues los personajes del filme hablan inglés y no el particular costeño que se oye en las calles de Cartagena de Indias.
El filme tiene su premiere mundial el 16 de noviembre, mientras que en Argentina el estreno está previsto para el 17 de enero del 2008.

DE BOLLYWOOD CON AMOR...

2007-10-18T13:33:00.000-03:00

El 9 de noviembre será el estreno mundial de un nuevo filme proveniente de Bollywood, pero con la particularidad de ser el primero de su categoría en ser producido por un estudio de Hollywood (es este caso la Sony Pictures). "Saawariya" es su nombre y esta dirigido por el reconocido director hindú Sanjay Leela Bhansali y protagonizado por los debutantes Ranbir Kapoor y Sonam Kapoor. La cinta es una especie de musical sobre el amor, cuyas primeras imágenes remiten a la celebrada "Moulin Rouge". El cine de India viene pisando fuerte y "Saawariya" es la prueba viviente de ello. A disfrutar del trailer mientras esperamos su llegada a los cines!

LA CIÉNAGA: RECORDANDO BUENOS VIEJOS FILMS...

2007-10-14T18:31:00.000-03:00

"LA CIÉNAGA" (Argentina 2000) Duración: 100 min. Dirección y guión: Lucrecia Martel. Interpretación: Graciela Borges (Mecha), Mercedes Morán (Tali), Martín Adjemián, Leonora Balcarce, Silvia Baylé, Sofia Bertolotto, Juan Cruz Bordeu, Noelia Bravo Herrera, María Micol Ellero, Andrea López , Sebastián Montagna. Producción: Lita Stantic. Fotografía: Hugo Colace. Montaje: Santiago Roi Ricci. Dirección artística: Graciela Oderigo. Decorados: Cristina Nigro.

Calificación: CAR LOST

Intentar diferenciar la historia del discurso en el filme “La Ciénaga” es un aspecto muy difícil. O quizás lo verdaderamente difícil sea poder reconocer, en la ópera prima de la salteña Lucrecia Martel, cierta progresión dramática a la que estamos acostumbrados en el estándar del cine universal. Pero, ¿porque juzgar al filme por esta carencia, cuando quizás sea ese uno de los recursos mejor trabajados por la directora y el que sirve de basamento para ilustrar maravillosamente un realismo tan impactante, sincero y honesto jamás visto?
“La Ciénaga” es un relato que revela, como pinceladas inconclusas, fragmentos de la cotidianeidad de las familias de Mecha y Tali, durante un caluroso febrero en Salta. La primera es una mujer adulta, dueña de una finca, La Mandrágora. En ella se nuclea toda su familia, Gregorio, su esposo, con el que casi no se relacionan, y sus cuatro hijos: Vero, Momi, Joaquín y José. Líder de una familia de clase media-alta venida a menos, Mecha es una alcohólica que solo quiere hielo para refrescar su rojizo vino. Un accidente producto de su borrachera le provoca un sin número de cortaduras en el pecho. Este suceso la vuelve a poner en contacto con Tali, su prima, madre también de cuatro, Luchi, Agustina, Mariana y Martín, que vive en un pueblo cercano a la quinta. Esta se entera del trágico suceso en el hospital, donde atiende a su hijo menor, el cual ha sufrido una cortadura en la pierna.
Este es el puntapié para que se organice un día de campo en la estancia. Allí se reúnen las dos familias y ello desnuda sus conductas: Mecha solo quiere vino y deshacerse de su marido Gregorio, que es una persona inactiva en todo sentido. Ninguno de los dos presta atención a los hijos y solo se preocupan por mantener esa apariencia, ya sucia y manchada. José se acuesta con la amante de su padre y ex amiga de su madre. A su vez tiene una relación (incestuosa) con su hermana Vero y cierto complejo de edipo. Momi, es la única que se preocupa por Mecha, pero es criticada por su madre por la relación (lésbica) que mantiene con la mucama. Tali solo quiere relacionarse con la prima rica, aunque su esposo Rafael deteste a esa familia. Joaquín y Martín se dedican a la caza y a Luchi nadie le presta atención...
Los primos pasan una estadía en la quinta y entablan relación con la “servidumbre”, en las que se vislumbran diferencias de clase y discriminación encubierta. Tali, por otra parte, solo anhela poder concretar el viaje a Bolivia para comprar los útiles escolares, acompañada por su prima, y parecerse un poco a ella, aunque lo niegue.
La trágica muerte del pequeño Luchi funciona como desenlace en un filme que adolece de todo artificio y estructura clásica impuesta, y que funciona más bien como un mosaico en el que se exponen las miserias de una familia. Toda su fuerza reside, en efecto, en la manera en que Martel ha creado los métodos visuales y sonoros para transmitir, insinuado, una profunda reflexión de la que, según sus propias palabras, es la clase media en su provincia natal.
Desde el título la directora ha querido dejar huella, de lo que se nota, es un estilo muy personal y elaborado, poco visto en el cine tanto nacional como internacional. “La Ciénaga” es un terreno pantanoso, fangoso, del que no se puede salir. Atrapados, inmovilizados lucen todos los personajes, cuyas acciones parece que llegan a ninguna parte. Pero, ¿es en realidad así? La ciénaga no deja ver que es lo que se ha tragado. Oculta secretos, pasiones, odios y amores de una familia que se derrumba, pero que nadie quiere verlo.
Esta quietud en la narración (no traducida en aburrimiento) es mas que interesante. Llega a transmitir mucho mas. Da lugar a reflexiones planteadas de forma poco explícitas y donde lo que se omite es lo que mas peso tiene en el relato. Estas elipsis obligan al espectador a involucrarse de lleno en la vida de estas familias y a sacar sus propias conclusiones, las cuales pueden ser mas ricas que aquello que se da por sabido.
Toda la acción transcurre en La Mandrágora, planta que en la práctica funciona como anestésico. Los personajes están próximos a vivir un hecho doloroso, un corte. Esta especie de morfina resulta mas que efectiva para olvidar y vivir con indiferencia la tragedia inminente.
Las cicatrices no cierran. Los cortes de Mecha representan mucho mas que aquello físico. Ilustran heridas interiores que es difícil que cicatricen. Joaquín ha perdido un ojo, Luchi se cortó la pierna y José tiene cortes en la nariz, producto de la riña en el boliche. Anuncian algo que está pronto de acontecer.
Las relaciones familiares, el amor y el odio. Las heridas no cierran y la sangre brota en el alcohol, la sexualidad y el racismo. La insatisfacción se refleja en las relaciones entre los integrantes de la familia y con los ajenos a ella: extraños. El vino es de un rojo intenso, y se derrama casi proféticamente. Toda la familia se reune, no alrededor de una mesa, sino alrededor de una cama. Hablan, se pelean, intentan demostrar amor entre las sábanas, símbolo del desgano y la inactividad.
La tragedia está cerca y nadie se animaría a predecirla. Los deseos de comunicarse y ser escuchado. La importancia de lo banal, deja de lado lo trascendente y es así como ni siquiera su madre (que está mas interesada en el viaje) puede anunciar la muerte del pequeño Luchi. Presagiada a lo largo de todo el filme, resulta inevitable. En el mismo lugar del accidente, Luciano ha sido matado por su hermanita, como parte de un juego de niños. Fue disparado por su hermano y por su primo en el pantano. Fue acuchillado por su prima al relatar la historia de la rata africana que tiene una hilera doble de dientes (en ese momento el niño es bañado por su hermana como si fuese un animal). La muerte funciona como elemento catalizador. Podría ser como el agua que lava las heridas, pero estamos en la ciénaga. Y la misma se traga al pequeño Luchi, y con él todas las culpas. La tragedia es inevitable, pero intrascendente. Nadie se sobresalta, pues esa es la idea. Con esa muerte toda la mugre se tapa, se oculta, se hunde en el pantano, en la ciénaga.

EL REGRESO DE FRANCIS FORD COPPOLA.

2007-10-09T14:03:00.000-03:00

“Youth Without Youth” (Juventud sin juventud) representa el esperado regreso del afamado realizador cinematográfico (tras una década de alejamiento) en el rol de director. El filme, basado en un cuento del escritor rumano Mircea Eliade, cuenta con las actuaciones de Tim Roth, Alexandra María Lara, Bruno Ganz y Marcel Iures y trata sobre el análisis que hace un hombre acerca de la vida y la muerte en el contexto previo a la Segunda Guerra Mundial. La historia trata sobre un profesor universitario de 70 años (interpretado por T. Roth) que tras recibir el impacto de un rayo se vuelve cada vez mas joven y sabio.
El filme tendrá su estreno en el joven Roma Film Fest que se celebrará entre el 18 y el 27 del corriente mes. En relación a Italia y su regreso al cine independiente, intimista y personal el directo dijo lo siguiente:

“Es un honor y un gran placer estrenar “Youth Without Youth” en el Festival de Cine de Roma. He trabajado mucho en Italia, tanto en Sicilia como en Roma, en Cinecittà”
“Esta película representa un nuevo periodo en mi carrera, donde quiero realizar solamente películas personales. Espero mostrarlo en este nuevo festival italiano, cuyos grandes maestros como Rossellini, Fellini, Visconti, Pasolini y Antonioni inspiraron mi pronta carrera.”

A la espera de su estreno en nuestro país, aquí va el trailer de un regreso que promete.

ESPERANDO LO NUEVO DE TIM BURTON.

2007-10-05T14:49:00.001-03:00

Ya está aquí, la espera (o parte de ella) ha concluido al fin. Ayer, 4 de Octubre, se llevó a cabo el estreno mundial del trailer de la nueva película del genial Tim Burton: “Sweeney Todd” (cosas raras y nuevas en el mundo del cine, ahora hablamos de estrenos de avances cinematográficos y no de las películas que estos promocionan).
Basada en el musical de Stephen Sondheim y Hugh Wheeler (sin lugar a dudas es el año de la comedia musical en el cine), la historia narra la brutal y sanguinaria venganza de un hombre contra aquellos que lo encarcelaron injustamente arrebatándole todo en su vida.
La nueva colaboración entre Tim Burton y Johnny Deppn (en el rol del barbero asesino), que cuenta con las participaciones de Helena Bonham Carter, Alan Rickman, Timothy Spall y Sacha Baron Cohen, significa un regreso a los orígenes artísticos del director: ambientes oscuros, personajes intensos y una estética inigualable que dejan entrever el universo Burtoniano en toda su magnitud (lo que seguramente dividirá a la platea).
El trailer no hace más que confirmar lo promisorio que es el filme. Veremos si los premios Oscar hacen eco de ello y le dedican un galardón a uno de los autores más personales y auténticos que ha dado el séptimo arte.

PUSHING DAISIES: EL CUENTO DE HADAS TELEVISIVO QUE ESPERÁBAMOS.

2007-10-03T13:38:00.000-03:00

La nueva serie estreno de la ABC, “Pushing Daisies”, se podría definir como un original cuento de hadas para adultos. La historia gira en torno al maravilloso don que tiene Ned, el protagonista, para revivir a los muertos con solo tocarlos con su dedo; pero con la particularidad de que si vuelve a hacerlo estos mueren otra vez. Todo se complica cuando se entera del fallecimiento de Chuck, el amor de la infancia y con quien se dio el primer beso.
La trama es interesantísima y su realización rememora a filmes como “Amelie” o “Big Fish”. Con la conjunción perfecta de humor, romanticismo y excentricidad, la serie está basada en la tira cómica del mismo nombre y dirigida y producida por el realizador de "Men in Black" y "Los locos Addams".
De regalo el trailer promocional de la serie que se estrena hoy por la cadena que nos ha regalado preciosas obras de arte como “Lost”. ¿Se convertirá “Pushing Daisies” en un nuevo objeto de culto? Por lo menos los avances y las críticas de los medios especializados son más que auspiciosos.

PRESELECCIONADAS.

2007-10-02T22:51:00.000-03:00

Se dieron a conocer algunos de los filmes preseleccionados para la categoría Mejor Película Extranjera frente a los Oscars 2008. En el caso de Argentina, la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas escogió la ópera prima de Lucía Puenzo (hija de Luis Puenzo, ganador del Oscar por “La Historia Oficial”), filme acerca de la búsqueda de identidad que lleva a cabo una joven hermafrodita de 15 años. El filme “XXY”, que cuenta con las actuaciones de Ricardo Darín e Inés Efrón, en su paso por Cannes ganó dos importantes galardones: el Gran Premio de La Semana de la Crítica y Premio Golden Rail. Por otra parte la película también fue seleccionada para competir por el premio Goya en el rubro Mejor Filme Hispanoamericano.
En el caso de España, la candidata es el filme “El Orfanato” del debutante Juan Antonio Bayona. El filme que mezcla elementos del suspenso, terror psicológico y algunas dosis del cine de Hitchcock, está protagonizado por Belén Rueda y Geraldine Chaplin. El director está apadrinado por Guillermo Del Toro, el mexicano que pisa fuerte en Hollywood (nominado el pasado año por la magnífica “El Laberinto del Fauno”), por lo que el filme en cuestión tiene grandes chances.
Italia apostó a uno de sus pesos pesados con más trayectoria en los premios Oscar: Giuseppe Tornatore (ganador de la categoría con “Cinema Paradiso”). “La Sconosciuta” significó el regreso con gloria del emblemático director ganando varios premios Donatello, el reconocimiento de la crítica y el éxito popular.
Pero sin lugar a dudas es Francia quien sorprende una vez más. Los galos escogieron para dar batalla un filme de animación titulado “Persépolis”; película realizada por Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud, basada en los cómics autobiográficos de la directora, Premio del Jurado en Cannes 2007 y éxito rotundo de taquilla en su país.
La acción de “Persépolis" inicia en el Teherán de 1978, cuando en los albores de la revolución islámica, Marjane, de 8 años, sueña con ser un profeta y salvar el mundo. Más tarde comprenderá que la instauración de la República Islámica no finalizó con la represión, y luego deberá enfrentarse al exilio forzado, cuando es enviada por sus padres a Austria al iniciar la guerra entre Irán e Irak, para finalmente optar por instalarse en Francia para alcanzar su libertad como individuo.
Todas son propuestas más que interesantes, de variado contenido y perspectivas diferentes. De todos modos la espera es larga ya que los candidatos definitivos se conocerán el 22 de enero de 2008, y los ganadores el 24 de febrero del mismo año en una gala conducida nuevamente por Jon Stewart.
De regalo el trailer de la propuesta que más me llamó la atención: el avance de “Persépolis”.

LAS RAZONES PARA UN 10: HAIRSPRAY.

2007-09-27T17:25:00.000-03:00

"HAIRSPRAY" (EE. UU. 2007). Duración: 117 minutos. Dirección y coreografía: Adam Shankman. Interpretación: Nikki Blonsky, John Travolta, Michelle Pfeiffer, Christopher Walken, Amanda Bynes, James Marsden, Queen Latifah, Brittany Snow, Zac Efron y Elijah Kelley. Guión: Leslie Dixon, basado en el film homónimo de 1988 dirigido por John Waters y en el musical de 2002. Música: Marc Shaiman. Letras: Scott Wittman y Marc Shaiman. Fotografía: Bojan Bazelli. Edición: Michael Tronick. Diseño de producción: David Gropman.
Calificación: CAR LOST +++

“Hairspray” se presenta como un filme acerca de los prejuicios. El primero, y más obvio, es que se trata de un musical de Hollywood. El género en cuestión no goza de buena fama o respetable aceptación en nuestro país (como en tantos otros), a pesar de que representa la máxima expresión de lo que el cine puede llegar a hacer y dar artísticamente: canto, baile, música, actuación, color, poesía y ritmo sin ningún tipo de condicionamiento, prejuicio o vergüenza para gritar lo que uno piensa o siente. A pesar de esto, y de lo bien que se lo pasa con ellos, los musicales injustamente son incomprendidos y en consecuencia denostados y rechazados por muchos. La irrupción en las salas cinematográficas de un exponente del género se celebra con fervor pues el acceso a los mismos, en especial a los de buena calidad, es extremadamente limitado.
En medio de este desalentador panorama llega lo que los amantes del género esperábamos: “Hairspray”, un musical repleto de audacia y desparpajo artístico, inteligentes letras y atrevido humor; película basada en la puesta homónima de Broadway, a su vez inspirada en el filme del rey del cine trash y freak, el irreverente John Waters. Pero entrar en comparaciones seria odioso e injusto, sobre todo porque la solidez del la nueva versión hace que la misma se destaque y se valga como filme autónomo, transformándose en el mayor exponente del género del último tiempo (además de uno de los mejores filmes del año).
“Hairspray” cuenta la historia de Tracy Turnbland, una jovencita entrada en carnes que vive en la ciudad de Baltimore durante la década del 60. Inmersa en la idílica, perfecta y conservadora sociedad norteamericana que niega el cambio, la desfachatada adolescente encuentra en el baile, el canto y los abultados peinados con hairspray su liberador escape. Día a día cultiva el sueño de poder participar en el show de danza y música de Corny Collins, su programa de televisión favorito. Decidida a derrocar la represión imperante, los estereotipos de belleza y las ofuscaciones sociales, Tracy desata y alienta un verdadero torbellino juvenil que encarna el cándido optimismo revolucionario de la época. Y es aquí, en la trama misma, donde se evidencia otro de los prejuicios de los que hablaba. Mas de uno no verá con buenos ojos que la protagonista triunfe siendo fiel a si misma y sin necesidad alguna de cambio (físico y/o espiritual). Y muchos mas arrojarán despectivos comentarios acerca de los sexys movimientos de baile a cargo de la protagonista o por la elección final del galán en cuestión. Y quienes lo hagan no habrán comprendido nada, ¡pues esa es precisamente la premisa de la historia!
La puesta realizada por el director y coreógrafo Adam Shankman es perfecta, divertida y conmovedora a la vez. El filme no da respiro y el ritmo no se esfuma jamás. Irremediablemente la música y el baile atrapan al espectador desde el comienzo e incitan a que salte de su butaca y comience a bailar y a cantar a la par de los personajes. Y ello se debe, en gran medida, a las pegadizas canciones (cuyas hilarantes letras están cargadas de ironía, humor, desparpajo y punzante crítica social) y a las coloridas y espectaculares coreografías que se suceden (afortunadamente y evitando uniones insustanciosas) con lógica progresión dramática al ritmo del twist, el soul y el r&b (se destacan “I can hear the bells”, “Run and tell that”, “Without love” y la excitante finale de 10 minutos a carago de todo el elenco al ritmo de “You can´t stop the beat”)
Pero el filme no se limita solo al canto y al baile como ocurre en muchos otros casos. Aquí hay personajes bien estructurados, tramas desarrolladas en profundidad (con las dosis justas de drama y comedia) y un interesante retrato socio-político de la época que, sin ser presumido e incluso rozando la ingenuidad, no deja de incomodar.
Es destacable la labor del elenco cuyos integrantes brillan por igual manifestando talento y habilidad para la comedia musical: Michelle Pfeiffer encarnado la malvada de la historia (y riéndose de si misma y de los papeles que le han tocado interpretar a lo largo de su carrera), Elijah Kelley haciendo gala de sus dotes para el baile y el ritmo, James Mardsden demostrando porque es uno de los mas promisorios actores de su generación, Amanda Bynes aportando la cuota de dulzura e ingenuidad necesaria y John Travolta robándose todos los aplausos de la platea con su travestida y abultada, pero no menos sexy, Edna ( y en una inteligente jugada publicitaria y ofreciendo guiños sobre su pasado en el género). Cada uno de ellos, junto a los no menos efectivos Queen Latifah, Chistopher Walker, Zac Efron y Brittany Snow, tiene su lugar destacado en el metraje para lucirse y, sobre todo, divertirse a pesar de que no canten o bailen a la perfección. Pero sin lugar a dudas Nikki Blonsky es la verdadera estrella del filme (a pesar de que los créditos digan otra cosa). La joven actriz encarna su personaje con ímpetu; y quizás sea porque la historia que cuenta el filme es la que le ha tocado vivir. Así, en una combinación explosiva de convicción, carisma, talento y humildad, demuestra que ha venido para quedarse y no irse jamás.
Pero sobre todas las cosas, “Hairspray” logra su hipnótico poder gracias al espíritu lúdico y celebratorio, a la convicción endémica, a la energía y a la vitalidad que desborda por sus costados. Pero aún mas porque transmite al espectador una vasta y prolongada sensación de jovialidad, confianza y esperanza. En definitiva, se trata de un filme para disfrutar y dejar los prejuicios cinéfilos de lado. Si, porque más de un supuesto entendido en el tema no ha de aceptar al filme debido a su optimismo desenfrenado y contagioso pues ello no está de moda (a no ser que sea filmado por alguno de los directores progres y mimados del momento, claro está)
Concluyendo, y tal como decía al comienzo, “Hairspray” es una película sobre los prejuicios. Pero no solo los de carácter racial, social o ideológico que plantea la trama y de los que se hace eco el realizador para exponer su mensaje. “Hairspray” es un filme sobre los propios prejuicios de los espectadores (como miembros de la sociedad y como cinéfilos). Y aquellos que no estén dispuestos a despojarse de ellos se perderán una de las experiencias más gratificantes, alocadas y sensibles que ha dado el cine. Créanme, yo se lo que les digo…

FELICITACIONES JOHN LOCKE!!!

2007-09-17T19:28:00.000-03:00

Finalmente, y haciendo un acto de justicia tardío, el Emmy le fue otorgado a Terry O'Quinn, el enigmático y espiritual John Locke, uno de los sobrevivientes del vuelo de Oceanic en LOST.

La serie, que en su tercera temporada fue totalmente ignorada por la Academia que otorga las distinciones a lo mejor de le televisión en EE.UU., cosechó su único galardón gracias a la performance del actor en la categoría Mejor Actor de Reparto en Drama. O'Quinn competía en dicho rubro con su compañero de elenco Michael Emerson, que interpreta al manipulador Benjamin Linus, y con quien John Locke bate sus mas entretenidos y apasionados duelos verbales y de poder.

La ceremonia, que no dio lugar a sorpresas, se caracterizó por los premios homenaje/despedida/tributo a Los Sopranos, serie que emitió su temporada final en el 2007, evidenciando los mecanismos preferidos de los Emmys: galardones para series nuevas y muchos mas para aquellas que finalizan y por lo tanto no tendrán posibilidades de ganar otra vez.

El reconocimiento para Terry O'Quinn es mas que significativo. Pero ¿tendremos que esperar hasta el 2010 para ver premiada a LOST como se debe y corresponde? Esperemos que no. Por el momento disfrutemos la distinción para nuestro Locke mientras aguardamos la llegada de la 4ta temporada de la serie que revolucionó la forma de narrar en televisión.

Lista de los principales ganadores de la noche:

Mejor serie de drama: The Soprano.
Actor principal en serie de drama: James Spader (Boston Legal)
Actriz principal en serie de drama: Sally Field (Brothers and Sisters).
Actor secundario en serie de drama: Terry O'Quinn (Lost).
Actriz secundaria en serie de drama: Katherine Heigl (Grey's Anatomy).
Dirección en serie de drama: Alan Taylor (The Sopranos).
Guión en serie de drama: David Chase (The Sopranos)
Mejor serie de comedia: 30 Rock.
Actor principal en serie de comedia: Ricky Gervais (Extras).
Actriz principal en serie de comedia: America Ferrara (Ugly Betty).
Actor secundario en serie de comedia: Jeremy Piven (Entourage).
Actriz secundaria en serie de comedia: Jaime Pressly (My Name Is Earl).
Dirección en serie de comedia: Richard Shepard (Ugly Betty).
Guión en serie de comedia: Greg Daniels (The Office)
Mejor Miniserie: Broken Trail.
Mejor Película para Televisión: Bury My Heart At Wounded Knee.

AVANCE DE LO NUEVO DE DAVID CRONENBERG.

2007-08-31T19:02:00.000-03:00

El cuartodecarlost presenta en exclusiva el trailer del nuevo filme de David Cronenberg: "Eastern Promises". La nueva apuesta del creador de "Crash", "M. Butterfly" y "La Mosca" narra la historia de una enfermera (interpretada por Naomi Watts) que investiga la muerte de una prostituta rusa. Esto la lleva a toparse con el crimen organizado ruso en pleno Londres. El papel principal corre a cargo de Viggo Mortensen, quien ya había colaborado con el director en la reciente "Una historia violenta".

El filme se estrena el 14 de septiembre en EE. UU. al mismo tiempo que inicia su recorrido por los festivales de cine del mundo: el 15 de septiembre en el Festival de Toronto, el 20 de septiembre en el Festival de San Sebastián y 17 de octubre en el Festival de Londres.

Mientras tanto a disfrutar del avance que promete mucho, como todas las obras del director en cuestión.

5 APUNTES SOBRE HARRY POTTER Y LA ORDEN DEL FÉNIX.

2007-08-28T22:37:00.000-03:00

“HARRY POTTER Y LA ORDEN DEL FÉNIX” (U.K. - EE.UU. 2007) Duración: 138 minutos. Dirección: David Yates. Interpretación: Daniel Radcliffe, Rupert Grint, Emma Watson, Helena Bonham Carter, Michael Gambon, Ralph Fiennes, Gary Oldman, Alan Rickman, Maggie Smith, Imelda Staunton, Emma Thompson, Evanna Lynch, Tom Felton. Guión: Michael Goldenberg; basado en la novela de J.K. Rowling. Producción: David Heyman y David Barron. Música: Nicholas Hooper. Fotografía: Slawomir Idziak. Montaje: Mark Day. Diseño de producción: Stuart Craig. Vestuario: Jany Temine.

Calificación: CAR LOST

Apunte 1: El filme a cargo del director David Yates se constituye como un módulo de transición en la franquicia cinematográfica del mago adolescente Harry Potter. Contrariamente a la lógica (el libro basal es el mas largo de toda la serie), en esta entrega se establecen, precipitan y adelantan situaciones, personajes y diversos elementos narrativos con el fin de economizar el desarrollo de las venideras entregas finales. Así presenciamos el beneficio que el director y el guionista le otorgan a la trama global de la saga por sobre la trama individual del filme. Quizás esta sea la principal y más evidente falencia de la película. Muchos hechos sin especial relevancia para “La orden del Fénix” son presentados solo por la importancia de los mismos en los próximos capítulos. Y ello puede apreciarse como una incorrecta dosificación de la información, aunque el año que viene más de uno va a agradecer dichas inclusiones hoy no comprendidas.

Apunte 2: Tal como sucedió con la irrupción de Alfonso Cuarón, a cargo de “El Prisionero de Azkaban”, en esta entrega se evidencia otra fractura considerable respecto al resto de la franquicia. Si bien no es tan profunda y satisfactoria como la forjada por el realizador mexicano, y desarrollada por el británico Mike Newells, la nueva grieta mantiene algunas de sus características. La línea sombría y adulta se ha mantenido (afortunadamente) tirando por la borda cualquier posible nueva aproximación a la lectura infantil, y con poco sentido, ofrecida por el dulzón Chris Columbus en los primeros dos capítulos. Una de las características propias de la nueva grieta es la diferencia notable respecto a la concepción de la magia. Alejada totalmente de la artificiosidad, y dando lugar a un concepto más cercano al realismo (y de convivencia con el mundo no mágico), el diseño de producción hace eco de ello: las propuestas de arte y efectos visuales ya no hacen alarde del extremo estilo de cuento de hadas y de las aparatosas luces distantes del mundo de los muggles. Pero dicho quiebre, que quizás asuste a algunos desprevenidos, se condice con el viraje que ha dado la saga (tanto literaria como cinematográfica) y del crecimiento físico y emocional de su protagonista.

Apunte 3: Si bien el espíritu del libro (uno de los mas complejos y rico en tramas y subtramas) no es respetado con fidelidad (Nota: estoy en contra de las adaptaciones literarias estilo copy paste, pero el espíritu del original no se vislumbra en su versión de celuloide) se destacan algunos guiños auto referenciales, ciertos lapsos de humor y varias citas irónicas solo aptas para fans empedernidos. Aunque, lamentablemente, esto no sucede con los pasajes cargados de tensión dramática, donde los personajes y situaciones lucen desdibujados, suenan poco convincentes y no funcionan con la soltura antes referenciada.

Apunte 4: La inclusión de nuevos personajes es otro de los aspectos destacados. Una de ellas, la de la inescrupulosa Dolores Umbridge (a cargo de Imelda Staunton), acapara la pantalla y se roba los aplausos gracias a la solidez y convicción de su interpretación (el duelo que llevan a cabo la flamante nueva directora de Hogwarts y la Profesora Minerva McGonagall en las escalinatas del castillo es para celebrar con fervor). Por su parte Luna Lovegood aporta la dosis justa de exótica inocencia y Bellatrix Lestrange (a cargo de Helena Bonham Carter) desborda una sensual lobreguez. Todas ellas se suman a la batería de viejos conocidos, y otros nuevos a conocer, de vital importancia para el desenlace de la historia.

Apunte 5: El despliegue visual, aunque mas austero, es fastuoso y se materializa con creces en la batalla final llevada a cabo en la Sala de las Profecías dentro del Ministerio de la Magia. El filme es muy entretenido, ágil y afortunadamente no decepciona. Si bien no se encuentra a la altura de las entregas 3 y 4 - las mejores de la saga - sigue la línea impuesta por estas y se distancia aún mas de las dos capítulos iniciales - los mas aburridos y menos convincentes de todos. Cumple su cometido, prepararnos para lo que viene, que si bien será más de lo mismo, vendrá en dosis más entretenidas, enigmáticas y oscuras. ¡Se los aseguro!

Perlitas: La música ya no corre a cargo de John William. La diferencia es notoria y el nuevo compositor, Nicholas Hooper, no eleva la apuesta con su participación. Otro tanto sucede con el guionista; la tarea estubo a cargo de Michael Goldenberg.
"El Príncipe Mestizo" estaría a cargo del mismo equipo creativo con Yates a la cabeza del proyecto.

CRÍTICA INVITADA: Cocó analiza "Tu, yo y todos los demás"

2007-08-27T13:38:00.000-03:00

"TU, YO Y TODOS LOS DEMÁS" (EE.UU. 2005) Duración: 91 minutos. Dirección y Guión: Miranda July. Interpretación: John Hawkes (Richard Swersey), Miranda July (Christine), Miles Thompson (Peter), Brandon Ratcliff (Robby), Carlie Westerman (Sylvie), Natasha Slayton (Heather). Producción: Gina Kwon. Música: Mike Andrews. Fotografía: Chuy Chávez. Montaje: Andrew Dickler y Charles Ireland. Diseño de producción: Aran Mann. Dirección artística: John Wyatt. Vestuario: Christie Wittenborn.
Calificación: VIOLETA (Equivalente a un CAR LOST)

"Tu, yo y todos los demás" es la opera prima de Miranda July, directora indie americana que nos sorprende y nos alegra la existencia con una pequeña y enorme película donde nos hace pensar (y sentir sobre todo) que la vida puede tener muchos colores, por ráfagas pequeñísimas de tiempo, pero que en suma nos tiñen la vida de felicidad… esa palabra que tantas veces parece inalcanzable.
La película se centra principalmente en Christine Jesperson (Miranda July), una excéntrica artista que trabaja como taxista de personas de la tercera edad, y Richard Swersey (John Hawkes), un vendedor de zapatos que acaba de divorciarse. Ambos se manejan en ámbitos totalmente diferentes y, por esas causalidades en la cual el resto de los personajes se ven involucrados, surge entre ellos la necesidad de una conexión, una compañía, que por momentos no es otra cosa que pánico: pánico a la soledad, pero también pánico a estar acompañado. Entre esas idas y vueltas nos encontramos con personajes extremadamente deliciosos, desde un pez que trágicamente es “olvidado” en el techo del auto de sus futuros dueños hasta una niña que desde su temprana edad comienza a preparar su ajuar para ser la madre perfecta que ella no puede tener, pasando por adolescentes en plena ebullición sexual (Nota 1: cualquier parecido con “A los trece” es pura coincidencia) y hermanitos sub 12 que mantienen chats eróticos con una cuarentona amargada mientras papá trabaja y mama está con su nuevo novio (Nota 2: cualquier parecido con “Historias de Familia”… es producto del nuevo cine indie!)
La película transita indiscretamente entre todas las historias y deliberadamente nos pasea entre sus personajes con un ojo que observa y no juzga, un ojo que trata de aceptar cada mundo, para luego tratar de integrarlo. Aquí podemos cuestionar que arbitrariamente los personajes terminan bajo un nexo en común, como si por el solo hecho de que pertenezcan a un mismo grupo (que en primera instancia se piensa como heterogéneo) deba homogeneizarse como sinónimo de unidad y aceptación.
Podemos decir que estamos ante una generación de cineastas que están haciendo delicias y pisando fuerte en festivales internacionales, y si bien es claro que el consumo de estas películas debe hacerse con moderación (o que esta pasando con el nuevo cine argentino, queridos detractores?) si es cierto que obras como las de July (y podemos sumar a la lista a "Historias de Familia", "Pequeña Miss Sunshine", solo entre muchas) nos mantienen viva la ilusión de que nuestra vida tiene colores, que no siempre es tan gris… es difícil pensar en una vida sin dolor, pero al menos es posible que por momentos todo sea rosa como los zapatos de Christine, ya que como dice Richard, (y quizá en el momento de mayor decisión y compromiso con lo que dice), “la vida es mucho mas que un dolor de pies”.
Es reconfortante formar parte de la sensibilidad que tiene July para detenerse hasta en el mas mínimo detalle, ya que partiendo de pequeños momentos termina conformando una enorme película plagada de poesía y luz. Sus personajes se iluminan, de sus bocas salen las palabras con una cadencia y suavidad tan enorme que parece que no fueran de este mundo; pero claro que lo son, son iguales a nosotros, incluso podemos ser nosotros mismos si nos aceptáramos vivir la vida totalmente abiertos a los estímulos que los demás nos provocan. Porque quizás de eso se trata: tu, yo y todos los demás podemos ser felices, podemos tener una vida un poquito rosa; aunque a veces el rosa se torne gris; aunque a veces duelan los pies…

Perlita 1: La banda de sonido, impecable. Una música melancólica y dulce (tanto como la voz de Miranda July, por favor espero escucharla otra vez!) logra momentos íntimos que pasaran al recuerdo colectivo.
Perlita 2: Los niños de la película! A tenerlos en cuenta y seguirlos de cerca porque da la sensación de que junto a Owen Kline (el pequeño de Historias de Familia) y nuestra amada Abigail Breslin van a conformar un dream team actoral que va a dar que hablar en los próximos años!
Esto fue todo, cualquier felicitación me la hacen llegar a mimundovioleta y cualquier queja la derivan a El cuarto de Car Lost!
Tec. Cocò Culatitoli

TRAILERS RECOMENDADOS DE LA SEMANA: 2X1.

2007-08-24T19:20:00.000-03:00

Esta semana el cuarto de car lost propone el disfrute del avance cinematográfico de dos prometedoras películas. La primera de ellas, "Introducing the Dwights" es una comedia proveniente de Australia sobre la relación de una madre y su hijo adolescente en pleno despertar. El filme dirigido por Cherie Novolan está protagonizado por Brenda Blethyn (la recordada Sr.a Jenkins de "La Maldición de las Brujas").

El segundo filme en cuestión es la nueva propuesta del excéntrico director Wes Anderson titulada "The Darjeeling Limited". El filme protagonizado por Owen Wilson, Adrien Brody y Jason Schwartzman, cuenta la historia de tres hermanos que no se hablan y que inician un viaje espiritual a lo largo de India tras la muerte de su padre. La realización a cargo del director de "Los excéntricos Tenenbaum" y "Vida Acuática" se estrena en septiembre en los Estados Unidos.

Ambos filmes prometen mucho. Nosotros mientras disfrutemos de estas imágenes a la espera de su estreno en Argentina (si es que algún día ocurre ello, sino a esperar que editen los DVDs)

LA CIENCIA DEL SUEÑO, by Valtoch.

2007-08-17T13:43:00.000-03:00

El cuarto de car lost continúa incorporando críticos invitados a su staff. Este es el caso de mi amiga personal Vale Tochi, o mas conocida bajo el seudónimo artístico de Valtoch, que nos trae un comentario sagaz, solo como ella puede hacerlo, sobre el nuevo filme del talentoso director Michel Gondry. Que lo disfruten y a la espera de mas colaboraciones especiales suyas.

“LA CIENCIA DEL SUEÑO” (Francia 2006) Duración: 105 minutos. Dirección y Guión: Michel Gondry. Interpretación: Gael García Bernal, Charlotte Gainsbourg, Alain Chabat, Miou Miou. Producción: Georges Bermann. Música: Jean-Michel Bernard. Fotografía: Jean-Louis Bompoint. Montaje: Juliette Welfling. Diseño de Producción: Pierre Pell y Stéphane Rozenbaum. Vestuario: Florence Fontaine.

Calificación: VALTOCH (Equivalente a un CAR LOST)

Michel Gondry, francés, director de cine, anuncios, y vídeos musicales, destacado por su innovador estilo visual y su manipulación de la puesta en escena, nos presenta “La science des rêves”, traducida en español como “La ciencia del Sueño” o “Soñando despierto”.
La historia transcurre en París, donde Stephane (Gael García Bernal), un joven artista gráfico en cuyo cerebro se emite un programa de televisión en continua pugna con la realidad, aterriza en París, en su casa de la infancia engañado con su madre que le da la esperanza de un buen trabajo, y termina en una pequeña empresa que se dedica a la fabricación de rutinarios calendarios. Tras entrar en contacto con una nueva vecina, Stéphanie (Charlotte Gainsbourg), la posibilidad de un romance se abrirá paso en su exuberante universo de cartón.
Aunque muchos afirmen que este filme hable del amor, va más allá de eso, o mejor dicho, le pasa por el costado; el realizador nos muestra un mundo
onírico, “su” mundo, universo de lo creativo, de lo fantástico e imposible, allí se mezclan los miedos y los deseos conformando un todo absurdo que excede a lo romántico para imbrincarse en algo mas abstracto que vive en el inconsciente del personaje y sobrepasa su voluntad (como la vida misma).
¿Es la película una exhibición plástica de lo que puede llegar a hacer la creatividad de este realizador a la que le debe su reconocimiento como tal? Puede que sí, pero no es solo eso, este film trasmite mas que bellas imágenes, y a pesar de ser en definitiva una historia triste con un dejo de nostalgia en donde los sueños no son mas que eso “solo sueños” es un bello relato y si yo pudiera construirla, mi realidad se asemejaría a la de los momentos felices que tiene Stéphane Miroux.
El protagonista es un personaje inocente, que roza el límite del infantilismo y navega entre dos mundos, el de la realidad y el de los sueños, al punto de confundirlos. Ingeniero e ilusionista a la vez, Gondry logra llevar a la pantalla la representación de cosas abstractas, locas y surrealistas que suceden en los sueños, imitándolos de manera extraordinaria.
El mundo sublime de Stéphane redunda en maquetas de cartón y paisajes que se asemejan a los collages que todos alguna vez hicimos en jardín de infantes (salvando que estos son mas elaborados y con una idea mas concreta de fondo), el stop motion también se hace presente en su mundo de fantasía dándole vida a muñecos de tela, maquinas de cartón y manos gigantes, entre otros.
La narración y el montaje contribuyen a que, como Stéphane, el espectador vaya perdiendo los límites entre un mundo y el otro, bajo el punto de vista de Stéphane, los universos se confunden atravesando la línea imprecisa y desordenada de lo que resulta posible e imposible en la diégesis de cada uno, donde la única certeza de sueño o realidad a veces, parece ser, el cartón.

TRAILER RECOMENDADO DE LA SEMANA: "ACROSS THE UNIVERSE"

2007-08-15T17:18:00.000-03:00

Llega "Across the Universe" el nuevo filme de la talentosa y creativa directora Julie Taymor. El filme musical, inspirado en las canciones de "The Beatles", promete un desarrollo visual original e impactante tal como la autora de "Titus" y "Frida" nos tiene acostumbrado tanto en sus productos cinematográficos, como así en sus puestas en Broadway (recordemos que la artista es la responsable de la arriesgada inadaptación del filme animado "The Lion King" en teatro musical). El filme, que hace clara referencia a la canción de John Lennon, cuenta con las actuaciones de la joven promesa Evan Rachel Wood y el casi desconocido Jim Stugess además de la presencia de Bono y Salma Hayek encarnando algunos de los personajes cuyos nombres hacen alusión a varias de las canciones del grupo de Liverpool. El filme promete y mucho. A estrenarse en Septiembre en los Estados Unidos a nosotros solo nos queda disfrutar del talento de esta directora mediante el trailer de su próximo filme.

INCORREGIBLES Y EL DILEMA DEL CINE NACIONAL, by Yei-Yei Brask.

2007-08-14T13:42:00.000-03:00

El cuarto de carlost, en un esfuerzo de producción sin precedentes, presenta a su crítico especial Yei-Yei Brask. Yei-Yei, mi amigo personal, tuvo el honor de asistir a la avant premiere del filme nacional "Incorregibles" y aquí nos acerca sus impresiones acerca del mismo. Que lo disfruten y a la espera de muchas colaboraciones mas de su parte!!!

***

“INCORREGIBLES” (Argentina 2007) Duración: 90 minutos. Dirección: Rodolfo Ledo. Guión: Rodolfo Ledo. Actuación: Guillermo Francella, Dady Brieva, Gisela Van Lacke, Jorge Rivera López y Roberto Ibáñez.

Calificación: YEI - YEI (Equivalente a un CAR LOST)

Mi crítica no se asemeja a las del queridísimo Mr. Trionix. Las de él son muchos más elegantes, las mías son cualquiera, como la película que acá se va a criticar, bah si así se puede decir. Yo critico esta película porque, a decir verdad, fui el único entre mis compañeros que tuvo los suficientes HUEVOS como para ir a verla.
Según mi pensamiento primitivo el cine argentino se encuentra entre dos límites: las películas intelectuales-fashion-naif hechas para los festivales, y las películas de Francella, que son las que dan la tarasca. Hay unos pocos en el medio, dígase Szifrón, Burman y el siempre querido y extrañado Bielinsky, que se atreven hacer cosas de calidad para el público. Yo creo que somos muchos los que queremos ingresar ahí, en medio de ambos límites. Pero bueno dejando ideales de lado, acá va la crítica.
A mi Francella me gusta y también Dady Brieva, pero tengo que decir que el que se destaca en el film es Francella, por la cancha que ya tiene en el cine. A Dady se lo notaba nervioso vaya uno a saber porque. Viéndolo desde un punto de vista un poco más alejado que el del espectador común, se pude notar que el film esta hecho a los ponchazos. Tiene algunas cosas buenas e increíbles como el ralentí de una escena de acción, pero tiene errores muy grandes tanto técnicos como narrativos. En un momento la película se vuelve un poco densa y el hilo de la historia se pierde un poco pero eso deja de ser una molestia pues desaparece con los (supuestos) chistes constantes. Los problemas técnicos se dejarán para otro momento porque son cosas que a gente como nosotros (técnicos productores en medio audiovisuales excesivos en el cuidado de las cosas) nos ponen los pelos de punta.
Lo que puedo decir es que es una película hecha a los ponchazos pero que a la gente pareció no molestarles. Uno sabe bien que va a buscar al cine cuando va a ver esta película. Yo también lo sabía pero me defraudó un poco más de lo que imaginaba. Además quería saber que se sentía ver esto. Se puede decir que fue una buena experiencia, que la película es mirable (pero con un solo ojo), que es una atrocidad en algunas cosas pero FUNCIONA. Y bueno eso fue lo busqué en el cine, ver porque funciona y porque la gente va a verla. Yo creo que se debe a la suma de algunas cosas: Francella, Dady Brieva, las hermosas perras casi denudas, los tiros y algunas cosas más pero pienso que el factor primordial es que la gente quiere ir al cine a divertirse, desenchufarse, olvidarse de sus problemas, soñar con cosas imposibles y no a ver “la tristeza de los niños ricos” (Noriega, el amante)
Bueno esta fue mi humilde crítica, espero que les haya caído bien y sino ya saben donde quejarse.
Técnico Yei-Yei Brask

TRAILER RECOMENDADO DE LA SEMANA: "ATONEMENT".

2007-08-09T15:55:00.000-03:00

"Atonement" supone el regreso a la pantalla grande de Keira Knightley luego de su paso por la trilogía de "Piratas del Caribe". Repitiendo el exitoso equipo creativo de la magnífica "Orgullo y Prejuicio", el filme ya suena como fuerte candidato para la próxima entrega de los Oscar. Con la dirección de Joe Wright y James McAvoy acompañando a la sensual actriz inglesa, "Atonement" (basada en la novela homónima del inglés Ian McEwan) narra una trágica historia de amor, pasión y traición en medio de los acontecimientos de la Segunda Guerra Mundial. La sinopsis anuncia que:

"La historia comienza en Inglaterra un día de 1935, el más caluroso del año. A pesar de la creciente amenaza de la II Guerra Mundial, Briony Tallis y su familia viven como auténticos privilegiados en su enorme mansión victoriana neogótica. Toda la familia se reune para el fin de semana, pero el opresivo calor y las emergentes emociones reprimidas crean una soterrada sensación de peligro. Briony, una escritora en ciernes, es una chica con mucha imaginación. Una serie de catastróficos malentendidos hace que acuse a Robbie Turner (James McAvoy), el hijo del ama de llaves y amante de su hermana Cecilia (Keira Knightley), de un crimen que no ha cometido. La acusación destruye el amor naciente entre Robbie y Cecilia, además de cambiar dramáticamente el curso de sus vidas"

LOS SIMPSON: LA PELÍCULA.

2007-08-06T15:22:00.000-03:00

“LOS SIMPSON: LA PELÍCULA” (EE. UU. 2007) Duración: 87 minutos. Dirección: David Silverman. Guión: James L. Brooks, Matt Groening, Al Jean, Ian Maxtone-Graham, George Meyer, David Mirkin, Mike Reiss, Mike Scully, Matt Selman, John Swartzwelder y Jon Vitti. Música: Hans Zimmer.

Calificación: CAR LOST

La película de los Simpson no es más que un largo capítulo de la emblemática serie animada que lleva ya 18 temporadas en el aire. Pero, lamentablemente, pertenece al desdichado grupo de capítulos modelo 2000 y no al de los, ya clásicos, emitidos durante la década del 90.
Trasladar una serie de televisión a la pantalla grande es una tarea ardua y difícil; mucho mas si dicha serie se emite al aire actualmente, se ha convertido en objeto de culto de millones de personas y, peor aún, si se encuentra en un proceso de precipitosa decadencia. A la pérdida de su brillo, frescura y, sobre todo, humor particular (irónico, absurdo, ácido e ingenuo a la vez) la franquicia de la FOX se aventura al difícil paso a la pantalla grande. Con la presión de seguir siendo la misma e innovar a la vez, el filme lleva sobre sus espaldas el enorme peso de no defraudar a nadie y sorprender a todos.
El producto está concebido, desarrollado y parido para el deleite del fan más acérrimo que, incluso, es capaz de perdonar la más atroz de las decepciones. Si, porque “Los Simpson: la película” decepciona y mucho pues sufre los mismos síntomas que su versión televisiva: la familia mas famosa de la pantalla chica ya no hace reír (como antes).
El guión, alejado de la estructura dramática de la serie (donde el divagare narrativo era una de sus mayores riquezas) y olvidando su mitología particular, es inconsistente y exageradamente épico (gastadas y poco originales fórmulas de “como convertir un buen guión en un guión excelente” se evidencian a cada paso). El filme encuentra sus momentos mas logrados en la autorreferencia (hacia la propia serie e, incluso, la propia película) pero el acento está puesto, desafortunadamente, en el humor tonto y poco inteligente (apuntando a un amplio público de niños de 0 a 99 años y risa fácil) Todo termina pareciendo un collage de preciosas y graciosas ideas unidas fortuitamente por una pésima costurera.
La versión de celuloide de Los Simpson no solo traiciona la esencia cómica del show televisivo; dicha alevosía llega incluso a los mismos personajes (además vale aclarar que, salvo Homero, ninguno tiene un papel relevante en la trama). Uno a uno desfila frente a nosotros impostores animados que usurpan, cómodamente y sin ningún remordimiento, el lugar de Bart, Homero, Lisa, Marge y Maggie (y todos los demás habitantes de la ciudad). Cualquier espectador atento puede darse cuenta de que esos no son los personajes que nos hicieron reír durante tanto tiempo. Personalidades totalmente involucionadas se apropian de los cuerpos de cartón de los ciudadanos de Springfield generando un distanciamiento aún mayor. Sumado a ello, el tema de las voces no es menor y esa famosa cruzada en favor del boicot del filme tiene su sensata razón de ser. El nuevo doblaje resulta más insoportable que de costumbre y gran parte de la gracia de los chistes se pierde por culpa de un problema sindical.
Desde el aspecto netamente técnico, el film no presenta novedad alguna respecto al alance de la animación aunque si un nuevo estilo. Los Simpon siempre fueron dibujos feos y en la sencillez de su trazo estaba su encanto. Pero la inclusión de detalles diversos (sombras, texturas, transparencias, movimientos de cámara, etc.) en el filme plantean una fuerte disyuntiva. Uno tiene la sensación que está presenciando una versión refinada y cara de aquello que consumió siempre como popular y barato (incluso gratis, tal como sentencia Homero en la formidable apertura del filme).
Quizás la pretensión con “Los Simpson: La Película” no era demasiada. Pero desafortunadamente la acumulación de buenos momentos (el puerco araña, la presencia de Tom Hanks o la secuencia de Bart al desnudo) no son suficientes para hacer de este un producto satisfactorio al menos. El filme decepciona y se olvida con la misma facilidad con la que se lo mira. Mi recomendación es ahorrarse el dinero de la entrada y esperar a que Telefe comience a pasarla en sesiones maratónicas. Igualmente los fans estarán de parabienes y poco les importará la opinión de este humilde crítico.

Recomendación: A pesar de que todos los medios se han encargado de recomendar ver el filme a sala llena mi opinión es totalmente contraria. Resulta insoportable escuchar las ruidosas risas de la platea en respuesta a cada estupidez (no cómica) realizada por Homero. Es sabido que la gente se transforma ante estímulos incomprensibles. Este filme lo demuestra.
Perlitas: El filme cuenta con la música de Hans Zimmer, genial como de costumbre, rescatando el sonido original compuesto por Danny Elfman para el tema de títulos.

UN DÍA MUY ESPECIAL...

2007-07-09T15:40:00.000-03:00

Había decidido pausar un tiempito el blog hasta quedase terminado el cortometraje “Noche de Paz (Noche de Amor)”. Pero hoy sucedió algo muy especial, algo que merecía su dedicatoria en El Cuarto de Car Lost: la nieve. Si leen bien. Nada es imposible (tal lo indica el slogan). Y hoy nevó en la ciudad de Córdoba.
Eran las 8 AM, y por supuesto todos dormíamos (día feriado); pero papá Trioni ya estaba arriba porque hoy trabaja. Y como me conoce mucho me vino a despertar. Quizás a muchos les parezca una estupidez, pero es la primera vez en mi vida que vi nevar, y gracias a ello siento una alegría enorme. Una alegría tremenda que colmó toda la casa.
Hice levantar a todo el mundo. Inmediatamente salí al patio, así en pijamas, y me puse a sacar fotos y a tocar la nieve. Al principio era poquita y pensé que se iba a ir rápido, por eso había que aprovecharla y disfrutarla al máximo. Pero después del desayuno empezó a nevar con más fuerza y cayeron copos más grandes. Salimos otra vez y empezó el armado de la familia de muñecos de nieve, otra sesión de fotos y obviamente retos de parte de la mami.
La verdad es que hoy es un día especial. Ver todo cubierto de blanco, ver los copos caer es increíble. Sigue nevando y parece que la nieve va a acompañarnos un tiempito más. Quizás nos depare un buen resfrío, pero quien nos quita lo bailado. Espero que todos la hayan pasado tan bien como nosotros. Acá unas fotitos de lo que sucedió.

NOTAS SOBRE UN ESCÁNDALO.

2007-06-24T15:05:00.000-03:00

“NOTES ON A SCANDAL” (U.K. 2006) Duración: 92 minutos. Dirección: Richard Eyre. Guión: Patrick Marber (basado en la novela de Zoë Heller). Intérpretes: Judi Dench (Barbara Covett), Cate Blanchett (Sheba Hart), Bill Nighy (Richard Hart), Andrew Simpson (Steven Connolly). Producción: Scott Rudin y Robert Fox. Música: Philip Glass. Fotografía: Chris Menges. Montaje: John Bloom y Antonia van Drimmelen. Diseño de Producción y Vestuario: Tim Hatley.
Calificación: CAR LOST

“Notas sobre un Escándalo” es una película pequeña, pero sólida, robusta y personal a la vez; solo como el cine británico puedo hacerlo. Basada en la novela homónima de Zoe Heller, la historia tiene como protagonista indiscutida a Bárbara (Judi Dench), una despótica profesora entrada en años que vive sola, sin amigos ni confidentes, cuyo cerrado universo cambia rotundamente ante el arribo a su escuela de la nueva profesora de Artes, Sheba Hart (Cate Balnchett). Ella es todo lo que Bárbara siempre buscó: amiga, alma gemela, confidente y, porque no, algo mas. Pero cuando descubre que Sheba mantiene una tortuosa relación sexual con uno de sus alumnos su trato da un giro inesperado. Encuentra en este traspié el camino ideal para hacer sus sueños realidad. La premeditación y la extorsión se convierten en sus más fuertes aliadas.
Con la estructura del telefilme británico, el director Richard Eyre (con amplia trayectoria en la dirección teatral y la realización televisiva) pone su mayor interés en la labor actoral, descuidando un poco el aspecto narrativo. La puesta en escena brilla gracias a las interpretaciones de la pareja protagónica (incluye un vibrante enfrentamiento final) que con su propio peso específico pueden mantener en pié todo el metraje. Es evidente, luego del visionado del filme, la conclusión a la que se llega acerca de la pasada entrega de los Premios Oscar: en dicha edición se produjo uno de los mayores robos de su historia. Judi Dench compone un personaje complejo, repleto de matices (Bárbara es fría, premeditadora, meticulosa, recta; en síntesis, una verdadera psicótica pervertida); hace vivir ese monstruo despiadado, pero cotidiano, solo como una gran actriz de su talla puede hacerlo. La entrega (física y psicológica) es tal que uno se olvida por completo de la dama inglesa (recordemos que el premio a Mejor Actriz fue para la sobrevalorada interpretación de Hellen Mirren en el no menos sobrevalorado filme “The Queen”). Otro tanto sucede con la bellísima australiana Cate Blanchett (junto a Abigail Breslin, era digna merecedora del Oscar antes que Jennifer Hudson, una chica que canta bien, pero no actúa) que con fuerza compone esa frágil, sencilla e inocente criatura; la cual, al igual que su compañera de trabajo, busca satisfacer sus más primitivas necesidades y deseos de una manera poco convencional y un tanto excéntrica. El trabajo de ambas es tan convincente que el espectador no se permite juzgar los personajes, solo comprenderlos en su soledad, frustración y dolor.
Las notas conducidas por el magistral Philip Glass (otro asalto en dicha noche, por mas que apreciemos el trabajo del coterráneo Gustavo Santaolalla) nos hacen percibir, sentir y vivir la atmósfera crítica hacia la sociedad británica, el sistema educativo y la forma en la que los medios de comunicación incitan a las habladurías (y llegan a destruir a una persona o una familia). Aunque de una forma precavida y un poco conservadora, no son temas menudos los que decide contar “Notas sobre un Escándalo”. La pederastia, la infidelidad, el rol de madre y mujer y la homosexualidad son el marco donde queda demostrado que la pasión puede superar a la moral.
Las notas, o diario, que dan nombre al filme resultan ser un artificio narrativo, cuya finalidad es solo la de contraponer las personalidades de las protagonistas, mas que un elemento dramático de peso. Lo mismo ocurre con el escándalo que tiene su mayor implicancia y resonancia en la intimidad del seno familiar.
Si bien la narrativa presenta falencias, obviedades o algunas de sus tramas se presentan poco desarrolladas (la identidad lésbica de Bárbara, por ejemplo), el filme supera todos los obstáculos gracias a las monumentales actuaciones de dos grandes actrices de distintas generaciones pero con la misma pasión y profesionalismo. “Notas sobre un Escándalo” es de esas películas chiquitas que satisfacen. Y uno agradece su existencia.

PERLITAS: Si bien las actrices protagónicas acaparan la pantalla y se roban todos los aplausos, el talentoso Bill Nighy, en su breve y un poco desaprovechada intervención, se luce al igual que el prometedor Andrew Simpson interpretando, respectivamente, al esposo y al objeto de deseo de la profesora.

CADENA DE BLOGS.

2007-06-23T15:59:00.000-03:00

Mica me hizo parte de estas cadenas de blogs y he aquí yo participando de ella. La cosa es sencilla yo encadeno a otros blogs y se hace un conjunto de eslabones. Esto se denomina "meme" según me cuenta mi estimado JW.

He aquí las reglas:
1. Cada jugador cuenta 8 cosas de sí mismo en su blog (crea un post sobre el juego y esto)
2. Tiene que escribir en su blog las reglas.
3. Tiene que seleccionar a otras 8 personas y escribir sus nombres/blog. (Yo no tengo 8 blogs/amigos así que pongo los que tengo) Luego hay que escribir en sus blogs la alerta acerca de que han sido seleccionados para jugar.
4. Las personas seleccionadas deben continuar la cadena y dejar sus comentarios en mi blog sobre las cosas que conté.

Yo elijo a:
Vale
Juan
Mica
Alejandra
Cocó

Mis 8 cosas:
- Cuando hay una canción que me gusta mucho y se me pega, la escucho continuadamente durante mucho tiempo.
- Una de las cosas que más me gusta comprar es ropa...
- Prefiero una buena fiesta en una casa antes de una salida a un boliche.
- Me considero más trabajador que inteligente.
- Una de las cosas a las que más temo es a la soledad.
- Lo primordial para mi es la autenticidad en las personas.
- Prefiero que me mientan a que me oculten cosas, aunque odio las dos cosas.
- Odio los secretos a voces.

LOS PAPARAZZIS EN LA FIESTA RETRO.

2007-06-06T20:48:00.001-03:00

El Cuarto de Car Lost tuvo acceso a la fiesta por el debut (con éxito) de "Emisión Central". Las fotos hablan por si solas!

BUENOS NUEVOS AIRES EN LA TV CORDOBESA.

2007-06-06T20:28:00.000-03:00

“EMISIÓN CENTRAL” (Córdoba, Argentina - 2007) Género: Noticiero. Horario: 20:00 hs. Canal: 5. Dirección General: Eleonora Soneira. Asistente de Dirección: Valeria Tochi. Producción General: Ma. del Carmen Tomsic. Asistente de Producción: Juan Carlos Wuerich. Producción Periodística: Constanza Curatitoli. Escenografía: Sofía Aymar. Iluminación: Noelia Carrizo. Sono musicalización: Elena Luccesi. Cámara de Exteriores: Agustín Pisano. Cámaras de Estudio: Paula Daveloza y Carlos Ignacio Trioni. Edición: Juan Pablo Antun.
Calificación: CAR LOST (Antes Suprema)

El 10 de mayo se llevó a cabo la edición inaugural del nuevo informativo de televisión “Emisión Central”. Con un despliegue de producción sin precedentes, la nueva apuesta periodística de Canal 5 se destaca por la pluralidad, el compromiso social y la decisión de ofrecer un producto dinámico que permita establecer nexos entre los distintos miembros de la sociedad.
El primer envío dejó en claro el acento local que los realizadores quieren imprimirle a su creación (obviamente que sin descuidar los aspectos nacionales e internacionales). Dicho interés se refleja, sobre todo, en los informes especiales que la producción desarrolla con profesionalismo, seriedad y compromiso por la verdad (en este caso se trató del aumento de precios en lácteos y carnes). Además sobresalen las notas, informes y reportajes de deportes, espectáculo y servicio, pues el noticiero ha sido conceptualizado como un exponente que satisfaga las demandas informativas del público en general.
Es destacado el aporte de todos los profesionales periodísticos que intervienen frente a cámara. Se destaca la dupla de conductores (Ariel Merlo y Clarita Capitaine) que, con su carisma y frescura, amenizan la dura realidad política, social, económica, etc. que han de comunicar.
Con una factura técnica acorde a estos tiempos, sobresale el moderno diseño escenográfico y estético y la ágil edición de las crónicas noticiosas.
El esfuerzo y dedicación de este grupo televisivo es digno de aplausos. Ojalá todos se tomaran la televisión tan en serio como ellos. Por lo pronto disfrutamos de la energía, voluntad y entusiasmo vertidos en este primer número. Felicitaciones!

Los paparazzis de El Cuarto de Car Lost pudieron acceder al backstage de la preproducción y el primer envío. Así mismo contamos con material exclusivo de la fiesta de lanzamiento que celebró los altos números de rating que demuestran la pegada de “Emisión Central” en el público.

PIRATAS DEL CARIBE: EL FIN DEL MUNDO.

2007-06-05T14:26:00.000-03:00

“PIRATAS DEL CARIBE: EL FIN DEL MUNDO” (EE.UU. 2007) Duración: 165 minutos. Dirección: Gore Verbinski. Guión: Ted Elliott y Terry Rossio. Intérpretes: Johnny Depp, Geoffrey Rush, Orlando Bloom, Keira Knightley, Chow Yun Fat, Bill Nighy. Fotografía: Dariusz Wolski. Montaje: Craig Wood, Stephen E. Rivkin. Música: Hans Zimmer. Dirección de Arte: John Dexter, William Ladd Skinner. Productor: Jerry Bruckheimer.

Calificación: CAR LOST

En el año 2003 la compañía Disney, en su afán de promocionar las atracciones de sus parques temáticos, lanzó el filme “Piratas del Caribe: La maldición del Perla Negra”. La citada película causó gran revuelo sorprendiendo al estudio, por las abultadas cantidades de dinero en concepto de taquilla y merchandising, y al público, por su frescura y reminiscencia a cierto tipo de filmes de aventuras perdidos en el tiempo. Sin dejar de ser un producto cien por ciento Jerry Bruckheimer (bajo el ala de Walt Disney Company) “Piratas del Caribe” rescataba la esencia del cine de corsarios, bucaneros y aventureros (con ciertas dosis de cine fantástico) sin complejos; y esa era su mayor virtud, la cual le permitía lograr una soltura narrativa sin prejuicios, plantear novedades respecto a la creación de personajes (ambiguos todos ellos), desarrollar un humor delirante (de la mano de ese monstruo que creó Johnny Depp) y, por sobre todo, evocar al espíritu Disney.
Todo éxito económico obliga a segundas partes y, en este caso, terceras (mas si hablamos de un productor como Bruckheimer conocedor y creador de los mas grandes blockbuster de los últimos tiempos). El público demandó aquello que era casi imposible: que las secuelas igualaran o, incluso, superaran a la primera entrega. “El Cofre de la Muerte” (2006) fue un digno capítulo que, si bien no aportó ninguna novedad, dosificó correctamente todos los ingredientes que funcionaban en la primera parte e hicieron de ella un producto delicioso y merecedor del título de clásico contemporáneo.
Y en el 2007 llega el turno de la tercera y ¿última? entrega sobre los piratas del universo Disney. En términos generales podríamos sentenciar que “El fin del Mundo” no defrauda desde su individualidad, pero si desde el conjunto de la saga. Es mas, se nota una divergencia abismal entre la reciente entrega y sus predecesoras, diferencia que por momentos nos hace preguntar si realmente estamos frente a una verdadera trilogía (y el fantasma “Matrix” se hace presente, pero lo hacemos desaparecer rápidamente debido al cariño que le tenemos a Jack Sparrow). Y dicha incompatibilidad no está en relación al aspecto argumental, sino a la esencia misma del filme: aquel equilibrio entre pretensiones comerciales y aspiraciones artísticas, presente en la primera entrega, se quebró y la balanza, lamentablemente, se inclinó por el menos simpático de los platillos.
El problema de “Piratas del Caribe: El fin del Mundo” está, lisa y llanamente, en su guión. La estructura narrativa es forzosamente compleja y, en consecuencia, termina por volverse insulsa. Los guionistas Ted Elliot y Terry Rossio deben haber terminado exhaustos al intentar entrelazar coherentemente, en este capítulo final, todos los elementos de dicho universo. Aunque no pueden darse por satisfechos pues todos los sucesos acaban enlazados pero de la manera menos grata.
El filme acarrea sobre sus espaldas un bagaje de de tramas y sub tramas no resueltas que se acumulan a las nacidas en el nuevo título. Los conflictos se han vuelto tan desmesurados, rebuscados y enroscados (y en algunos casos extremadamente ridículos) que el filme solo permite resoluciones por arte de magia.
En definitiva, la excesiva cantidad de misterios no encuentra un medio digno para resolverse pues “El fin del Mundo” se preocupa mucho en abrir nuevas intrigas y posibles futuras tramas y se ocupa poco en culminar y dar un cierre digno a los planteos y personajes que tiene a su guarda. Asistimos a un festín de episodios totalmente desconectados del conflicto central (al cual tardamos demasiado en adentrarnos) y a un repertorio de personajes totalmente prescindibles a los que se les imprime demasiada e innecesaria importancia (tal es la incursión de la criatura a cargo de Chow Yun Fat, que solo se entiende como vehículo de comercialización del filme en tierras orientales). Si hasta la aparición del alma misma de la saga, Jack Sparrow, se ve relegada por estas cuestiones. Luego de excesivos 30 minutos en Singapur se produce un necesario, aunque retrasado, quiebre mediante el rescate al intrépido Capitán en Tierras de David Jones; y de esa manera empiezan a soplar mejores vientos, mas cercanos a los del origen de la franquicia, pero nunca del mismo tenor.
La narración está presa de una adrenalina intensa. Cada escena parece tener la obligación de superar a la anterior en grandilocuencia y ostentación visual (ahí es donde el director Gore Verbinski se luce haciendo gala de su talento para crear composiciones dinámicas de gran valor plástico). El filme no da tregua y en cierta parte ello ayuda a disimular las incongruencias pues no hay tiempo para el análisis en profundidad. Incluso se llega a exprimir tanto los recursos que rindieron en las entregas anteriores que los mismos terminan por saturarse.
“El fin del Mundo”, cegada en su búsqueda de lo exótico y fastuoso (ya sea desde lo narrativo, conceptual, visual y/o sonoro), se olvida de sus bases. Piratas del Caribe es el nombre de la saga, pero en este filme hay poco de piratas y casi nada de Caribe. Ubicada más ceca del terreno de lo fantástico en el filme hay poca aventura concebida como tal, dándosele demasiada cabida a entuertos mitológicos y esoterismos de alta mar (que en entregas pasadas tenían peso y encanto, pero en esta ocasión se plantean como la solución más fácil para dar cierre a un agónico final)
Y es realmente curioso que los guionistas se hayan esforzado tanto en crear esta desmedida cantidad de conflictos dramáticos, cuando tenían a su alcance un elemento más valioso, eficaz y rentable como lo son los personajes de su propia creación. Esta tercera entrega sale a flote gracias a la galería de deliciosos caracteres con los que cuenta la trilogía. Sobre ellos podría haber descansado tranquilamente todo el filme y evitar así tantas traiciones y retorcidos encuentros y desencuentros que incluso llegan a sorprender debido a la extraña naturaleza de su origen.
En dichos personajes está el valor representativo del filme. Uno ha llegado a encariñarse con ellos, ya sean buenos, no tanto o malos del todo. Pues las ambigüedades en sus personalidades y carácter es lo que los hace únicos, entrañables y por sobre todo recordables en la memoria colectiva. Incluso es acertada la decisión de darle mas vuelo a Elizabeth Swan (Keira Knightley) y Will Turner (Orlando Bloom). Ambos se desmitifican y demuestran que son dignos de llevar el filme sobre sus hombros (Keira Knightley deja en claro que su personaje tiene poco de chica en apuros y mucho, demasiado, de heroína). Geoffrey Rush, con su Capitán Barbosa, es el malo mas querible; David Jones (Bill Nighy) el villano mas interesante; y así todo el elenco aporta su correspondiente cuota de frescura y originalidad interpretativa (hasta el monito se lleva su merecido reconocimiento). Por último hay que hacer una mención especial para Johnny Depp que, con su Capitán Jack Sparrow, deja en claro por que es el actor más emblemático de su generación; y también para su musa inspiradora, Keith Richard, que su cameo le permite robarse un lugarcito en el corazón de todos los fanáticos y los no tanto.
Si juzgamos al filme realmente como lo que es, un producto made in Jerry Bruckheimer (ya embarcado en su próxima trilogía millonaria: “Prince of Persia”), este consigue lo que pretende: recrear a las masas, llenar salas cinematográficas y dejar la puerta abierta para futuras secuelas o precuelas (en este sentido la saga nunca se traicionó, pues en ningún momento busco mas allá del buen entretenimiento). Fue un gran negocio que no se permitió (vaya por cuantos dólares uno a saber) continuar con su fino equilibrio entre suceso comercial y aspiraciones creativas. Como trilogía “Piratas del Caribe” no se merecía un final así, tan frío y desalmado, improlijo y semivacío; una saga que todos comenzamos disfrutándola y algunos terminamos lamentándonos por lo que podría haber llegado a ser. Pero, como dicen algunos, los buenos momentos perduran mas allá de la memoria y los ofrecidos por “Piratas del Caribe” serán atesorados por siempre, pues valen mas, mucho mas, que sus amargas equivocaciones.

Perlita 1: El tema de la calificación de este filme no es una contradicción, sino un promedio entre los sentimientos hacia la saga y cierta desilusión. Todo muy subjetivo, como siempre!
Perlita 2: Un aspecto para destacar en este filme es la música a cargo del genial Hans Zimmer (mi compositor favorito junto a Danny Elfman) que deja su impronta en cada fotograma, como no podía ser de otra manera.

Perlita 3: Gracias a todos por las mas de 1000 visitas al blog!

HASTA LUEGO MUSICALES, BIENVENIDAS SERIES...

2007-05-31T20:03:00.000-03:00

El Cuarto de Car Lost da por finalizada la encuesta que perseguía conocer el mejor musical de los último tiempos. En una competencia muy pareja, el filme "Evita" de Alan Parker y "Moulin Rouge" de Baz Luhrmann pelearon la punta durante casi todo el período en que se extendió la consulta. En los últimos días la película animada "El Rey León" se despertó y con fuerza fue acercándose al podio y dio batalla. Los guarismos finales arrojaron como vencedor al musical sobre la vida de Eva Perón (30,60 %) seguido de la historia de amor imposible entre Nicole Kidman y Ewan McGregor (20,50 %); por otra parte el tercer puesto baila y canta al ritmo de Hakuna Matata (20,40 %).

Como muchos de ustedes sabrán (si no se estarán enterando en este momento) el musical me fascina pues es un género que permite manifestar sentimientos con una magnitud que ningún otro tipo de filme puede hacerlo. Amo el musical y, a pesar de que muchos lo defenestren ya que no entienden que los personajes canten y bailen para expresarse (muchos dicen que lo hacen sin razón), creo que es una manifestación artística sin precedentes: música, canto, baile, actuación, luces, magia y pura emoción. Por eso doy por finalizada esta encuesta presentando, lo que a mi modo de ver, va a ser una de las mejores apuestas cinematográficas del año: la adaptación al cine del exitoso musical de Broadway "Hairspray". Con un elenco que incluye a figuras de la talla de John Travolta (interpretando a la madre de la protagonista), Queen Latifah, Zac Efron (el chico High School Musical), Michelle Pfeiffer y Christopher Walken el filme promete diversión y mucha música y baile al ritmo de los años 60.

Para mas data ingresar a: http://www.hairspraymovie.com/

Así mismo damos por comenzada la encuesta sobre series internacionales. A votar!